Categoría: Reseña de cine

El 1 de enero llega a los cines la película española “Abuela tremenda”, una comedia para toda la familia que nos presenta a Daniela, una mujer absorbida por el trabajo con una madre peculiar, ya que Toñi no es una abuela cualquiera. Toñi es un huracán, una abuela moderna que va en contra de lo establecido y tiene bastante facilidad para meterse en líos, algo que hace que su nieta Alexia la adore. 

Cuando Daniela se ve obligada a cambiar las vacaciones familiares de las tres por un retiro rural con su empresa a la que puede llevarse a su hija, Toñi aparecerá para salvar las vacaciones a su manera, y de paso, salvar otras cosas y ponerlas en su sitio.

Es imposible no querer a Toñi desde el primer momento, pero también es imposible no querer a Elena Irureta, que borda cualquier papel, ya sea encogiéndote el corazón como hiciera en “Patria” o haciéndote reír a carcajadas como en “Abuela tremenda”. 

Toni Acosta repite en el papel de madre sufridora, y aunque lo hace a la perfección, parece que últimamente sea su papel habitual en este tipo de comedias. Además, el reparto joven de los peques encaja bien, te hace sacar una sonrisa y les harán sentirse identificados cuando vayan a verla.

Aunque la trama es previsible como en cualquier comedia de este estilo y los secundarios se vean forzados en su interpretación, no deja de ser una comedia familiar, que consigue su objetivo y que a los peques les hará reír y querer subirse a una caravana las próximas vacaciones de verano.

A pesar de lo inverosímil de algunas situaciones que rozan lo delirante, toda pieza dirigida a un público más infantil, tiene su moraleja y enseñanza, y es que tal vez a veces se nos olvide demasiado priorizar lo que realmente importa. Nunca está de más que nos lo recuerden, y si viene de parte de una “abuela tremenda” tal vez nos remueva y nos haga reaccionar. Año nuevo, ¿nuevas prioridades? 

Reseña realizada por Natalia G. Santamaría

El 1 de enero llega a las salas españolas la esperada adaptación del fenómeno literario ‘La asistenta’, de Freida McFadden. Con Sydney Sweeney, Amanda Seyfried y Brandon Sklenar, tiene ante ella el reto de contentar a un ávido grupo de lectoras que van a desear decir aquello de “el libro es mejor”. Pero, ¿lo es?

Partamos de la base de que los libros de Freida Mcfadden son un fenómeno inexplicable de fast food literario que es malo pero engancha. Yo misma admito mi gusto culposo que me hace devorar cada entrega y hay que reconocer que la película consigue replicar a la perfección ese enganche y necesidad de querer saber todo el rato que está pasando.

De hecho, la película mejora unos libros pobres gracias a la interpretación de las dos actrices principales, que bordan sus papeles. La fotografía es muy buena, y los pequeños cambios respecto al libro mejoran una trama previsible que de no ser por el fenómeno y la fama de los actores, parecería sacada de una película mala de domingo por la tarde. 

Eso sí, en la recta final tenemos algunas actuaciones demasiado exaltadas o exageradas, pero dentro del código y el punto álgido de la historia, no resulta del todo chirriante. 

Por otro lado, veo necesario criticar la elección de Amanda Seyfried para interpretar a Nina, ya que como ya pasara al elegir a Emily Blunt para la adaptación de ‘La chica del tren’, parece que sea intolerable poner a una actriz no normativa a dar vida a un personaje en pantalla, incluso cuando hablamos de adaptaciones de libros dónde claramente se describen las características físicas de los personajes. 

Siempre he considerado que ‘La asistenta’ era una copia mala y barata de ‘Perdida’ de Gillian Flynn, y con la película pasa algo similar. Hay planos y voces en off muy similares pero, ¿qué le vamos a hacer si funciona y va a gustar? Y seamos realistas… de vez en cuando apetece una hamburguesa con patatas, incluso en versión cinéfila. ¿O no? 

Reseña realizada por Natalia G. Santamaría

SISU: CAMINO A LA VENGANZA es una película de acción bélica escrita y dirigida por Jalmari Helander. 

Es la secuela de SISU (2022) y vuelve a estar protagonizada por Jorma Tommila como Aatami Korpi a quien se le suma Stephen Lang como Igor Draganov y Richard Brake como un oficial de la KGB. 

La película se sitúa en 1946 en la Carelia ocupada por los soviéticos donde Aatami Korpi regresa para llevarse consigo su casa y reconstruirla en un lugar seguro en honor a su familia, quien fue brutalmente asesinada por Igor Draganov, pero cuando el Ejército Rojo descubre dónde está Aatami el oficial de la KGB envía a Igor a acabar con él, ya que Aatami es conocido como “el inmortal”. 

La casa, que no es más que unos tablones de madera desmantelados cargados en un camión juega un papel crucial en el personaje de Aatami. Es su humanidad.  

Jorma Tommila sin decir ni una sola palabra en toda la película consigue hacer una interpretación admirable, ya que es capaz de transmitir lo que siente con una increíble técnica y sólo con su mirada y con minuciosos gestos sabes perfectamente lo que está pensando. La contención que muestra el actor en toda la película es el punto fuerte del personaje, pues muestra su historia, su dolor, su furia y… su venganza. 

Pero Stephen Lang no se queda atrás, su personaje tiene una crudeza en la mirada y en su forma de ser que te hace sentir tensión y rabia al mismo tiempo. Es el contrapunto, el antagonista perfecto y juntos hacen que las escenas se vuelvan épicas. 

El guion está marcado por capítulos que nos van llevando hacia el desenlace de la vendetta y cada capítulo, como si de niveles se tratara, se complica, se vuelve más gore, más surrealista y te engancha desde el primer momento.  

Sin duda, la dirección de Jalmari, la interpretación de los protagonistas, pero también la del resto del reparto, la caracterización, el vestuario y los efectos  especiales te hacen sumergirte en cada capítulo y sentir lo que sienten los propios personajes. 

La elección de los planos también es un acierto, los cenitales tienen mucha fuerza en esta película y te llevan con ellos mientras ocurre la acción.

Presenta momentos de comicidad que son otro punto a favor para suavizar tanta sangre y crudeza. 

Sin duda, una mirada vale más que mil palabras, así que, prepara tu estómago y déjate llevar por las ansias de los personajes.

Reseña realizada por Laura Kelra

El 28 de noviembre llega a los cines ‘Singular’, un thriller de ciencia ficción dirigido por Alberto Gastesi que nos sumerge junto a sus protagonistas en una reflexión sobre la conciencia, el dolor y los “para qué” de la vida.

Diana, una profesora universitaria especialista en Inteligencia Artificial, se reencuentra con su ex en el que hubiera sido el 18 cumpleaños de su hijo, fallecido quince años antes. En su antigua casa del lago aparecerá un misterioso chico que llevará a los personajes a replantearse el sentido de la existencia, el aprendizaje del dolor y la posibilidad de crear más allá de la inevitabilidad de la muerte. 

Patricia López interpreta a Diana con una delicadeza maravillosa y sostiene prácticamente sola una película con un planteamiento muy interesante pero que, en mi opinión, no termina de conseguir lo que busca. Javier Rey y Miguel Iriarte la acompañan de forma muy correcta, y los duelos dialécticos entre la pareja que fue son un regalo en pantalla.

La fotografía es magnífica y el entorno paisajístico boscoso nos lleva al mismo cuento eterno y asfixiante que viven los personajes. Sin embargo, el fallo de ‘Singular’ quizás sea abusar demasiado de algunos recursos especialmente en su segunda mitad, haciendo que su objetivo no quede claro del todo y se pierda.

Las reflexiones acerca del duelo, del deseo de existir más allá de la pérdida y de la necesidad de saber soltar, desaparecen entre la confusión que provocan algunas escenas en momentos en los que se vuelve complicado entender qué está sucediendo. 

Con algunas escenas que nos recuerdan a ‘Westworld’, tal vez lo mejor de la película sean precisamente algunos de esos diálogos potentes del guión de Alex Merino y Alberto Gastesi que los actores sostienen a la perfección. 

Aunque a ratos se desdibuje lo que nos quieren contar, nos emociona y nos deja dándole vueltas al leitmotiv de la película sin que ni ellos ni nosotros sepamos dar una respuesta correcta, porque “la vida no se puede aprender, pero merece la pena”. Aunque no sepamos para qué.

Reseña realizada por Natalia G. Santamaría

La Larga Marcha es una película basada en la novela distópica de Stephen King de 1979.  

Está dirigida por Francis Lawrence y el guion está escrito por JT Mollner.  

Es una película coral cuyos protagonistas principales son Cooper Hoffman (Raymond «Ray» Garraty) y David Jonsson (Peter McVries). Los acompañan Garrett Wareing (Billy Stebbins), Tut Nyuot (Arthur Baker), Charlie Plummer (Gary Barkovitch), Ben Wang (Hank Olson), Roman Griffin Davis (Thomas Curley) y para cerrar el elenco, Josh Hamilton (William Garraty), Judy Greer (Ginnie  Garraty) y Mark Hamill (El Comandante). 

La historia se centra en un alternativo siglo XX, donde Estados Unidos está gobernado por un régimen totalitario en el que, una vez al año, miles de jóvenes se inscriben en el evento conocido como La Larga Marcha. 50 de ellos, uno de cada estado, son elegidos al azar para caminar siguiendo un ritmo fijo, sin parar, si no quieren ser sancionados y posteriormente fusilados con el fin de quedar sólo uno a quien se le concederá el deseo que quiera. El objetivo de esta marcha es inspirar patriotismo y ética laboral entre la población desfavorecida. 

Esta película, de terror y suspense, nos invita durante sus 108 minutos a caminar al lado de los participantes. Cada uno con su historia, con su forma de ser, de afrontar las cosas nos enseña que lo único que importa es el momento, el aquí y ahora, el cómo afrontamos la muerte, nuestros deseos más profundos y, sobre todo, cómo llega a ser el ser humano cuando está a un paso de morir. 

Ray y Peter se convierten en la humanidad de la película, las actuaciones tan emotivas de Hoffman y Jonsson absorben al espectador haciéndole partícipe de la caminata. 

Los escenarios que van recorriendo los personajes son un acierto para dar continuidad y motivación a sus participantes.  

La crudeza de determinadas escenas es todo un acierto para incidir en ese mundo duro, luchador, obrero e injusto. 

Con un guion muy bien escrito y una dirección que consigue que las interpretaciones lleguen fuera de la pantalla el espectador sale de la sala del cine con una mentalidad muy diferente de ver la vida, el presente. 

Al final, la vida es eso, caminar o morir, pero tenemos el poder de decidir y esto es lo que nos recuerda La Larga Marcha.

Reseña realizada por Laura Kelra

Together, la ópera prima de Michael Shanks, llega a los cines coincidiendo con la época de Halloween el 31 de octubre. Una película de terror y body horror diferente, con una propuesta tan arriesgada como original que promete generar bastante controversia.

En ella conocemos a Tim y Millie, una pareja cuya relación no atraviesa el mejor momento, que gracias a una nueva oportunidad laboral para ella, se mudan al campo. Un cambio no del todo del agrado de Tim pero que Millie ve como la oportunidad perfecta de dar un giro a la relación, respirar aire fresco, estar en contacto con la naturaleza… Naturaleza que resultará darles otro tipo de giro, ya que tras beber agua de una extraña cueva empezarán a experimentar una serie de transformaciones y mutaciones físicas que reflejan su propia relación, y no de la mejor manera.

Desde el principio la película nos da pistas de cuál va a ser el desenlace final, pero no es algo que moleste, Together no necesita ocultar su final porque no va de eso. Su grandeza reside en la metáfora palpable y obvia de la toxicidad y codependencia de una pareja, en la reflexión que es imposible no realizarse sobre hasta qué punto podemos (o debemos) adaptarnos y cambiar para contentar al otro. ¿En qué momento estamos traspasando los límites del amor y estamos convirtiéndonos en otra cosa, grotesca, fusionada y en el fondo dolorosa?

Eso sí, como (casi) toda película de terror que se precie, tiene sus jump scares absurdos que no aportan nada, pero que mezclados con momentos de humor negro muy bien colocados hacen que la película no pierda ritmo y nos permita movernos entre la asfixia, el susto, la humedad gris y la risa.  Estamos así ante una mezcla entre terror grotesco y comedia romántica que funciona a la perfección.

Dave Franco y Alison Brie hacen un magnífico trabajo interpretando a Tim y a Millie, contagiándonos su angustia, su sensación de estar atrapados y a la vez, no poder soltarse. Son pareja en la vida real y eso traspasa la pantalla, están impresionantes. Mención también de la fotografía y demás aspectos técnicos (los efectos y la asquerosidad son absolutamente reales) y a mí, personalmente, el guión me ha encantado. A veces reutilizar mitos clásicos y darles una vuelta puede funcionar muy bien, y en este caso (no diré más para no hacer spoilers) funciona a la perfección.

No sé si Together es la mejor película de terror del año como he leído en algunas plataformas, pero sí es una propuesta muy bien hecha, que funciona y que os dejará dándole vueltas un buen rato. Además, según el punto en el que estéis con vuestra pareja la viviréis de un modo u otro.

Por tanto, ¿es Together una película de terror o una película de amor? En realidad, si lo pensamos, el amor y entregarse al otro es algo verdaderamente terrorífico que puede dar muchísimo miedo, en especial si olvidamos nuestra propia identidad. Pero a veces, abrir los brazos y fusionarse en el otro puede ser un alivio y otra forma de encontrarnos y acabar siendo una nueva versión más fuerte y renovada de uno mismo. 

Reseña realizada por Natalia G. Santamaría

Caza de Brujas es un thriller psicológico del director Luca Guadagnino, escrito por Nora Garrett.  

Está protagonizada por Julia Roberts (Alma Olsson), Ayo Edebiri (Maggie Price), Andrew Garfield (Hank Gibson), Michael Stuhlbarg (Frederick Olsson) y Chloë Sevigny (Kim). 

Alma, una respetada y muy querida profesora en la universidad da, lo que a simple vista sería una reunión más entre alumnos y profesores en su casa, pero que se acaba convirtiendo en un punto de inflexión que le hace revivir su pasado oscuro debido a un artículo escondido que encuentra Maggie, alumna y protegida de Alma. 

Hank, quien también es profesor, es un amigo cercano de ella y se ve envuelto en una fuerte acusación tras esa reunión que hace que su futuro se tambalee. 

Con el objetivo principal de ambos personajes pendiendo de un hilo nos sumergimos en un drama puro de personaje que analiza la hipocresía y las grietas emocionales de cada uno de ellos, donde no sabes muy bien a quién creer, con quién empatizar y acabas detestando y conectando con cada uno de ellos  mientras se va resolviendo la trama.  

El personaje de Frederick es un personaje importante que conecta con la parte humana, emocional, de la protagonista y quien hace que las escenas respiren y tengan otro tipo de tensión e incluso comedia. 

La música y el sonido en general son otro personaje en sí mismos, juegan un papel crucial para guiar al espectador, para mantenerlo alerta y generar tensión, incomodidad y comedia. 

La elección de planos cerrados y de planos detalle también tiene una función determinante para seguir con la sintonía del guion dando, junto con la música, un resultado audiovisual propio de este género. 

El peso interpretativo lo llevan Julia y Andrew, quienes consiguen que el espectador tenga que estar atento por saber qué ha pasado y qué será de ellos. 

Uno de los temas del largometraje es la venganza, lo que me lleva a lanzaros la  siguiente pregunta, ¿estaríais dispuestos a contar una mentira como acto de vendetta?

Reseña realizada por Laura Kelra

Ben Leonberg nos presenta su primer largometraje de terror, Good Boy, y lo hace tratando de ofrecer algo diferente en un género que nunca deja a nadie del todo contento. 

El protagonista indiscutible de la cinta es Indy, el perro de Todd, quién a pesar de estar terriblemente enfermo, o precisamente por eso, decide pasar una temporada en la vieja casa de su abuelo ya fallecido junto a su inseparable y leal compañero. El problema es que en la casa siempre han pasado cosas raras, Indy puede notarlas mucho antes que él e intentará a toda costa proteger a su dueño, aunque no sea tarea fácil.

La premisa de Good Boy es interesante, sobre todo por el cambio de perspectiva. Hemos visto a más perros intuir y ver cosas que el ojo humano no percibe en películas de terror, pero nunca nos habíamos puesto de verdad en sus zapatos (o en sus patas, puestos a hablar con propiedad). El juego de la cámara, que se pone a la altura de Indy, nos permite vivir su tensión y ver hasta dónde él puede ver y está muy conseguido, realmente funciona.

Si como yo, amáis a los animales y a los perros en especial, sufriréis constantemente por Indy, a quién amaréis desde el minuto 0, tanto por lo que sucede en escena como por mérito propio ya que es adorable. Todo el rato me pregunté cómo habrá sido el rodaje, ya que el perrete se comporta de modo espectacular y dirigirle no puede haber sido fácil, a pesar de ser el perro del propio director. 

Sin embargo, aunque la propuesta es muy original, hay secuencias y situaciones que se vuelven algo repetitivas y hacen que una película tan corta (tan solo 72 minutos) se haga a ratos un poco pesada, por el abuso de zonas oscuras e intentos de sustos mediante sombras que no acaban de funcionar ni conseguir lo que pretenden. A veces es mejor dejar que se intuyan o imaginen cosas en vez de mostrarlas en pantalla, algo que el cine de terror no acaba de entender en muchas ocasiones y Good Boy no es la excepción.

Tampoco ayuda que Todd, el dueño de Indy, no caiga especialmente bien, por lo que desde la butaca el espectador se preocupa mucho más por Indy que por el resto de la historia. Evidentemente un perro leal busca proteger a su dueño sin importar nada más, por lo que el intento de empatizar con su angustia se queda en eso, en intento (a ratos quería que lo que tuviera que pasar pasara ya e Indy se largara de la casa, del dueño y de las presencias).

Good Boy se convierte al final más que en una película de terror al uso, en una metáfora sobre la muerte y el amor incondicional que busca proteger a toda costa, incluso de lo inevitable o lo que no podemos comprender.

Reseña realizada por Natalia G. Santamaría

Caught Stealing, terriblemente traducida como Bala Perdida en España, es la nueva película dirigida por Darren Aronofsky que llega a las pantallas españolas el 10 de octubre.

En ella conocemos a Hank (Austin Butler) en el Nueva York de los 90, un joven camarero que vio su carrera de jugador de béisbol frustrada por un accidente. Aún así, a pesar de vivir anclado en aquello que pudo haber sido, tiene una novia maravillosa (una magnífica Zoë Kravitz que nos conquista cada vez que aparece en escena) y una vida que, mal que bien, funciona. Además, su equipo favorito está avanzando y llegando a una buena clasificación este año, algo que comparte en las llamadas diarias con su madre.

Sin embargo, todo se torcerá cuando su vecino Russ (ver a Matt Smith punki con una cresta que toca el techo es algo digno de verse, y qué bien trabaja este hombre) le pida que cuide de su gato mientras visita a su padre enfermo en Londres.

Caught Stealing (lo siento, me niego a llamarla Bala Perdida, ¿cuándo aprenderemos a traducir títulos con sentido?) se convierte entonces en un thriller muy cañero de gángsters y mafiosos, dónde la violencia va escalando y se hace llevadera gracias a su humor negro y personajes que aparecen para ser alivio cómico en la espiral de enredos y complicaciones en las que se ve envuelto nuestro protagonista (y uno de ellos es Bad Bunny, que sorprendentementem defiende bastante bien su pequeño papel).

Vivimos la pesadilla que vive Hank riéndonos en muchos momentos al rozar lo surrealista en escenas cargadas de clichés pero que funcionan. Austin Butler lleva la mayor carga de la película y en mi opinión, borda su papel, al igual que los secundarios, los mafiosos rusos y judíos que nos llevan a situaciones delirantes y absurdas que nos recuerdan inevitablemente a Tarantino, Guy Ritchie o a los Coen.

Aunque no deja de ser un thriller cómico tontorrón pero cumplidor, el leit motiv que se repite a lo largo del metraje deja un mensaje bonito, sobre cómo superar los miedos y los traumas del pasado que nos frenan en la vida. 

En resumen, Caught Stealing no aporta nada nuevo al género pero cumple, entretiene y la mezcla entre el drama y la adrenalina con la comedia negra, surrealista y absurda nos dan una muy buena película, con buen guión y una fotografia con muy buen gusto que nos traslada a la atmósfera asfixiante que vive el protagonista. Aunque si tengo que quedarme con algo, me quedo con la mejor actuación de toda la película, que es el gatito que simboliza la única esperanza que le queda a Hank en medio de toda esta locura.

Reseña realizada por Natalia G. Santamaría

The Smashing Machine es un biopic sobre el artista marcial mixto y luchador estadounidense Mark Kerr escrito y dirigido por Benny Safdie. 

Dwayne Johnson es quien encarna a esta leyenda de la lucha junto con Emily Blunt como la mujer de este por aquel entonces, Dawn Staples. Al reparto se les suma Ryan Bader como Mark Coleman, Oleksandr Usyk como Igor Vovchanchyn y Bas Rutten como él mismo. Todos ellos luchadores de profesión.  

Este drama nos lleva desde el punto cumbre de su vida hasta su caída pasando por sus luchas tanto dentro como fuera del ring. 

A través de un guion muy bien ejecutado y una dirección bestial las interpretaciones de Dwayne y Emily son simplemente brutales.  

Dwayne Johnson también es conocido por ser luchador profesional y se le suele ver en personajes de acción y de comedia familiar por lo que la construcción de personaje junto con la caracterización hace que no se vea en ningún momento al propio Dwayne, lo que es de admirar y la pareja que forma en escena junto con Emily es excepcional, ya que ella también tiene una muy buena construcción de  personaje y ambos se retroalimentan consiguiendo unas escenas que te dejan pegado al asiento. 

Sin duda, la trama se centra en esos conflictos morales con los que cualquier espectador puede conectar, aunque no conozca la vida de Mark Kerr, ya que todo el mundo tiene sueños, preocupaciones, adicciones, miedos y amores que nos hacen ganar o perderlo todo y hay que saber encajar cada uno de los golpes.  

La fotografía y el montaje crean una especie de documental vintage muy agradecido de ver que va evolucionando a medida que pasan los años del personaje. 

Te guste la lucha libre o no, The Smashing Machine es una maravilla visual e interpretativa. 

Así que, ¿estás preparado para el combate?

Reseña realizada por Laura Kelra