DECISION TO LEAVE – El amor al borde del acantilado.

Lo primero en lo que pensamos al hablar de Decision to leave es en su director, Park Chan-Wook (Oldboy, La doncella, Stoker…). Un director surcoreano que se ha abierto un hueco importante en corazones y estanterías de todo el mundo y que vuelve con un noir/thriller entremezclado con una historia de amor poco convencional y arriesgada.

Sinopsis de la película:

Hae-Joon, un veterano detective, investiga la sospechosa muerte de un hombre en la cima de una montaña. Pronto, comenzará a sospechar de Sore, la mujer del difunto, mientras la atracción que siente por ella le desestabilizará.”(vía Filmaffinity).

Cuenta con varias nominaciones a sus espaldas como a mejor dirección y película de habla no inglesa en los BAFTA 2022, mejor dirección en el Festival de Cannes o mejor película de habla no inglesa en los Globos de oro entre otros. Y hemos sido muchos sorprendidos por la no nominación a los Oscars de este año, pero eso no quita el amor que genera la cinta entre el público.

Visualmente preciosa, con ese estilo tan propio y personal de Park Chan-Wook que ya nos resulta hasta familiar por los planos y el uso de algunos recursos como el movimiento de cámara (pausándose y aumentando la tensión o dinamizando y acelerando la escena según). Esta cinta derrocha una sutileza, elegancia y una gran narrativa por los cuatro costados. Además, el dueto protagonista (interpretado por Tang Wei y Park Hae-Il) está impecable y existe una química y tensión entre ellos que se podría palpar en el aire a lo largo de sus 138 minutos. Existe una carga emocional importante, plagada con mil detalles y el uso de lenguaje cinematográfico para hablar de la relación entre estos personajes. El humor usado de forma puntual y correcta, a lo que siempre nos vienen acostumbrando incluso en algunos dramones en cine coreano (y literal que me sacó alguna carcajada en mitad de película).

Para mí personalmente, el problema de Decision to leave, está en que hemos oído hablar tanto de ella durante tantos meses, que crea unas expectativas que luego puede no llegar a cumplir. Puede ser, que haya llegado a España a la gran pantalla un poco tarde y que eso le haya pasado factura. Indudablemente, lo que hace Park Chan-Wook con ella es una maravilla y está cuidada y mimada al milímetro. Pero sí es cierto que para mí la trama en sí misma, pierde mucha fuerza a ratos llegando a no entusiasmarme del todo en su conjunto. No he llegado realmente a conectar con la historia y sus personajes. Eso sí, el final me dejó el corazón bastante encogido. Y también cabe destacar los giros de guión y el suspense, que están perfectamente insertados y van descolocando al espectador durante el visionado.

Se estrenó en cines el 20 de enero así que ya está disponible en muchas de nuestras salas de cine, por lo que recomiendo ir con mente abierta y cierta “neutralidad” a verla, a ser posible. Realmente creo que es una película que, a pesar de no haber conectado con ella, es una delicia por ver, y es muy disfrutable. Por lo que recomiendo ir a disfrutarla en pantalla grande.

HUNT – La eterna caza del espía.

Sinopsis de la película:

Corea del Sur, 1980. Tras el asesinato del presidente Park por la agencia de inteligencia coreana, el ejército vuelve a hacerse con el poder. Corea del Norte lo ve como una oportunidad para una invasión futura y envía a uno de sus espías. Dos altos cargos de la seguridad surcoreana tienen la misión de perseguir al infiltrado. Así comienza una terrible carrera contrarreloj. La situación de las dos Coreas está al borde de la implosión y los dos agentes, en el transcurso de su investigación, sacarán a la luz importantes secretos que amenazan con cambiar el curso de la historia del país…” (vía FILMAFFINITY)

Nominada a mejor película en el Festival de Sitges del año 2022 y estrenada únicamente en 8 cines de toda España. Si tienes suerte, desde el 4 de enero la tienes en la gran pantalla.

Con sus 125 minutazos de largometraje, Lee Jung-Jae se estrena como director en esta película coreana de acción y espionaje que reta al espectador a aguantar la respiración en alguna que otra secuencia. Rodada con un mimo que se aprecia en cada detalle, nos encontramos ante una cinta con una temática algo ya conocida por aquellos que amamos el cine coreano en general y es la historia que hay detrás de los años 80 en Corea del Sur. Al final, nos están mostrando casi la misma historia, pero siempre desde otra perspectiva o punto de vista. Pero es cierto, que si conoces un poco la historia de este país y los sucesos que ocurrieron por aquellos años, estarás completamente pletórico por todo lo que te cuenta y no te perderás en absoluto con todo lo que quiere contar.

En esta cinta encontramos múltiples referencias y algunos guiños a otras cintas conocidas como “1987: when the day comes”, “May 18” y “A taxi driver” entre otras. Las escenas de acción tienen una carga emocionante bastante asfixiante y están tan bien construidas como las coreografías entre actores. Igual ocurre con el contexto político, histórico pero también el dramático de los sucesos contados. La crudeza y sinceridad con la que se muestran los hechos y la trama hace que, aunque en alguna ocasión te puedas perder, todo tenga su causa y razón de ser hacia el final de la película. El duo que hacen Lee Jung-Jae y Jung Woo-Sung es simplemente magnífico y se palpa en el ambiente, no solo lo carismáticos que son como actores, sino también la gran química que hay entre ellos y la amistad que comparten fuera de pantalla.

Si hay algo que derroche Lee Jung-Jae es esa fuerza, confianza y seguridad en sí mismo y en lo que quiere contarnos. Puedo decirte con toda franqueza que deberías agarrarte bien al asiento y prepararte para unos giros que puede que no te veas venir. El guión está magníficamente bien construido, la BSO (de Cho Young-Wook) y fotografía (Lee Mo-Gae) muy cuidadas y mimadas. En conjunto se nota cuando le ponen mucho cariño a una película, a su historia… y este es el caso.

Al final, vamos a estar durante dos horas ante el juego del ratón y el gato, que te hará cuestionar una y otra vez quién es el “topo” o espía entre ellos, dando puerta a un final que deja completamente fuera de juego al espectador pero que resulta efectivo, emocionante y deja tan buen sabor de boca que es imposible no amarla en su conjunto. Ahora solo nos queda cruzar dedos para que salga en formato físico y poder añadirla a nuestras estanterías.

CUERDAS, una lucha real que parece ficción

Hoy hemos tenido el placer de asistir al pase de prensa del cortometraje “Cuerdas”, dirigido por Estibaliz Urresola. Este corto ha tenido un gran recorrido en festivales, habiéndose estrenado en la 61ª Semana de la Crítica del Festival de Cannes y ganando premios tan importantes como el de mejor cortometraje de ficción en los recientes Forqué.

Es un cortometraje de apenas 30 minutos de duración, pero en el que desde el principio sabes qué está pasando. Rita, protagonista del corto, es una de las mujeres del grupo de coro de su pueblo. Este año el coro afronta un gran problema: el ayuntamiento les ha quitado la subvención que les permitía alquilar el local. Sin embargo, no es su gran problema. El pueblo lleva afectado por la contaminación de la refinería de petróleo del pueblo desde hace décadas, ocasionando graves problemas de salud a su hijo, que trabajó varios años en la empresa. Su dilema aparece cuando dicha empresa se ofrece a entregar una subvención para que el coro continúe. Rita se verá obligada a decidir si apoya dicha subvención o si por el contrario, se mantiene firme a sus principios.

El grupo deberá decidir si acepta la subvención.

Lo más interesante de este corto, aparte de su historia, es el hecho de que es real. Es la situación que vive Muskiz, un pueblo del País Vasco. Para contar esta historia, la directora contó con la colaboración del grupo de teatro y de la coral de mujeres del pueblo, siendo ellas las protagonistas del corto.

El cortometraje cuenta en su palmarés con varios premios, como comentábamos antes. El más importante de momento es el Forqué a Mejor Cortometraje de ficción, pero en apenas un mes puede cambiar, pues está nominado a Mejor Cortometraje en los Premios Goya. Desde Pasaporte Akihabara les deseamos toda la suerte del mundo, y a nuestros/as lectores/as, si podéis verlo, no dejéis pasar la oportunidad de ver este maravilloso cortometraje.

“Venus, el terror de otro planeta”

Un día más pudimos asistir a un pase de prensa de la mano de Sony Pictures, esta vez le tocaba el turno a la peli “Venus”.

La película está dirigida por Jaume Balagueró y el guión es de Fernando Navarro y Jaume Balagueró y está basada en la historia de H.P Lovecraft. La música corre a cargo de Vanessa Garde y la fotografía de Pablo Rosso. Las compañías son Pokeepsie Films y The Fear Collection (producción de Álex de la Iglesia y Carolina Bang) La distribuidora es Sony Pictures Entertainment. El reparto es el siguiente: Esther Expósito, Ángela Cremonte, Magüi Mira, Fernando Valdivieso, Federico Aguado e Inés Fernández entre otros/as.

Tiene una duración de 100 minutos y es de género Terror.

La trama es la siguiente. Un complejo de apartamentos malditos en un barrio madrileño se ve invadido por el horror y toque sobrenatural.  Esta historia se mezcla con la historia de Lucía, una bailarina de discoteca que se mete en un buen lío.

En los aspectos técnicos, la peli destaca por el variado uso de planos y la utilización de planos detalle, primeros planos y planos medios en su mayoría. Los planos son bastante estáticos pero también encontramos algún plano en movimiento. Cabe destacar los planos de angulación cenital, que cuentan mucho al espectador en esos momentos y hace meterse en la atmósfera. La iluminación es en su mayoría artificial, ya que se desarrolla en espacios cerrados. El vestuario y maquillaje son naturales, ya que se desarrolla en la época actual. Aquí sí que tiene relevancia la caracterización y efectos especiales, puesto que es una peli bastante sangrienta y gore. Las actuaciones muy trabajadas, pero sobre todo la actuación de la niña pequeña, creo que es la que mejor actúa de todo el filme. La música tiene ciertos toques a la música escuchada en otra peli de la compañía The Fear Collection (Veneciafrenia concretamente) y ayuda mucho a crear el ambiente de suspense necesario.

Ahora damos paso a la crítica en sí. Es una película entretenida, con una buena historia y guión bastante original a nuestra forma de ver. No se hace extensa y te mantiene en vilo en todo momento. Como forma parte de la serie The Fear Collection, sigue la misma línea de suspense, terror y violencia sangrienta, bastante gore, de los anteriores títulos, por lo que si sois de estómago sensible no es buena idea verla. Por el contrario si eso no es problema para vosotros/as, es muy recomendable de ver. Si os gustan las pelis con el toque que suele implementar Álex de la Iglesia, esta no os va a defraudar. A nosotros/as nos parece buena elección para ver con amigos. Eso sí, no contiene escena postcréditos.

En resumen, si las tramas de toque sobrenatural y sangriento os gustan, es un filme que os puede sorprender gratamente. Aquí el tráiler y póster de “Venus”.

Miércoles, vuelve la familia Addams.

Mientras asiste a la Academia Nevermore, Miércoles Addams intenta dominar su incipiente habilidad psíquica, frustrar una ola de asesinatos y resolver el misterio que envolvió a sus padres 25 años atrás.

La semana pasada Netflix estrenó la nueva serie sobre la familia Addams, en este caso centrada en Miércoles, la hija de la familia que regresa para contarnos nuevas historias.

La serie comienza con Miércoles atormentando a quienes se han metido con su hermano Pugsley en el instituto, buscando venganza a su manera. Echando pirañas en la piscina mientras ellos están dentro y provocando de esta manera su expulsión de otro instituto. Esto la lleva al internado Nevermore, donde sus padres se conocieron y que es un lugar en el que estudian vampiros, hombres lobo y sirenas entre otros seres mágicos.

La serie está compuesta por ocho capítulos y nos va mostrando a una Miércoles fiel a si misma, con miedo a los sentimientos, a los colores que no sean una escala de blancos, grises y negros y a la que no le importa lo que los demás piensen de ella. En cada episodio podemos ver a una Miércoles que intenta hacer las cosas a su manera ignorando al resto del mundo y como intenta controlar su nueva habilidad psíquica, algo que le traerá más de un problema y que la pondrá en peligro sin buscarlo.

A la vez que lidia con ello, podemos ver una evolución del personaje muy bien llevada y nada forzada, en la que hay algunos guiños muy sutiles a las producciones anteriores de los años noventa. La protagonista se enfrenta a sus miedos, a los demás estudiantes, a personajes que no se fían de ella y a otros que solo desean ser sus amigos aunque ella sea reacia a ello.

La serie nos muestra a una Miércoles Addams adolescente que odia los abrazos, adora escribir (aunque no quieran publicar sus historias) y que es una chica muy inteligente. Además odia el nuevo internado y a su manera echa de menos a su familia. Durante su estancia en Nevermore la acompaña Cosa, la mano que al principio va para espiarla por orden de su familia, pero a la que descubre pronto y con la que hace piña y acaba trabajando para poder resolver dos misterios: uno que sigue haciendo sombra a su familia en ese lugar y otro que amenaza con acabar con ella si no lo descubre a tiempo.

Conocemos también durante los ocho capítulos a su familia, sus problemas con su madre y a su tío Fétido, quien la anima a seguir investigando y trata de ayudarla, aunque con problemas importantes que se lo impiden, ya que intenta huir de la justicia de nuevo.

La serie es una obra maestra, cada escena y cada capítulo. Los escenarios, la ambientación y la música se unen como si se tratara de piezas de un juego para ejercitar la mente que se acaban acoplando a la perfección en sus lugares correspondientes. Está dirigida por Tim Burton junto a Miles Millar y Alfred Gough.

En ella podemos ver a una increíble Jenna Ortega (El día del sí) que ha nacido para interpretar el papel de Miércoles, junto a Christina Ricci a quien podemos recordar por hacer de Miércoles en las entregas cinematográficas de los años noventa y que en este caso interpreta a una profesora del internado Nevermore, Catherine Zeta-Jones (Ciudad de sombras), Luis Guzmán (Intergalactic), Gwendolyn Christie (Juego de tronos), Emma Myers (Girl in the basement) e Isaac Ordoñez (Un pliegue en el tiempo) entre otros que nos brindan una serie de suspense, comedia y drama con un ritmo ameno y entretenido que te mantiene intrigada hasta el final y pegado a la pantalla. La serie está disponible en Netflix.

RAMONA: “EN LA BOCA DEL LOBO”

Este viernes 25 de Noviembre se estrena en cines “Ramona”, ópera prima de la talentosa directora Andrea Bagney.

Dividida en 6 capítulos y con una duración de 80 minutos, la cinta nos cuenta la historia de Ramona (Lourdes Fernández), una joven aspirante a actriz que ha vuelto a vivir a Madrid con su novio, Nico (Francesco Carril). Aunque tenga muchos proyectos de futuro, no está encontrando su oportunidad en la ciudad y para colmo vive en un bloque donde se vende droga y hay mal ambiente. Ramona conocerá a Bruno (Bruno Lastra), un director de cine que está en proceso de buscar a su actriz protagonista y, que hará que su vida se vea replanteada a varios niveles.

Rodada en formato 1.66, esta dramática/cómica/romántica cinta está producida por Filmin y cuenta con la compañía Tortilla Films. Fotografía de Pol Orpinell, este film es el debut en largometraje de su directora y guionista Andrea Bagney. Filmada en un bonito y elegante blanco y negro que recuerda a un tono antiguo y nostálgico. La cámara pasea por las calles de la capital, a veces estática, a veces acompañando a los personajes en sus aventuras y desventuras, pero siempre haciendo hincapié en una sutil belleza en sus planos. Tanto cuando hablamos de fotografía y personajes como cuando se trata de esos pequeños detalles que pasan desapercibidos pero que también demuestran que en todo, hasta en el último rincón, hay vida.

A pesar del drama en su historia, han sabido perfectamente darle un toque de humor, y que en sus diálogos haya esa chispa que recuerda a una reconfortante tarde de café con un amigo. Todo lo que se muestra es muy natural, muy cotidiano, incluso me aventuraría a decir monótono. Se hace buena crítica sobre el estar presente en el día a día, las charlas y los momentos que hay que atesorar para siempre. La BSO me ha parecido todo un acierto; en los momentos más intimistas y pensativos de la protagonista, destacan piezas ya conocidas de música clásica (a mí personalmente me llevó a Fantasía de 1940); por otro lado, te hará bailar en el asiento al son de “Que nos quiten lo bailado” de Betacam. Pero otra cosa curiosa que me gustaría destacar es el ruido, ese sonido de fondo que aparece y desaparece cuando debe y que, al final, no pasa nada desapercibido.

Tiene alguna referencia a Woody Allen y a su particular Annie Hall, pero creo que es un cine independiente con personalidad. Como ya he mencionado antes, la cinta es en blanco y en negro, pero existe color cuando a Ramona la vemos a través de la cámara de Bruno, algo que me parece sumamente bonito, metafórico y bien usado. Es como si cobrara vida a los ojos de otra persona. La película no solo habla de las metas de la protagonista y su afán por empezar de cero, sino también de la añoranza y de ese sentimiento de hogar al que siempre aspiramos llegar, de que existen trenes y oportunidades que solo pasan una vez en la vida y que tenemos la opción de apostar por ello o de quedarnos en tierra.

En definitiva, creo que es un muy buen debut tanto de su directora como de su protagonista. Es una cinta sencilla, minimalista pero con unos personajes carismáticos con los que podemos vernos reflejados en su cotidianidad y pureza, con sus más y sus menos. Así que os recomiendo que a partir de este viernes 25 de Noviembre, vayáis a conocer esta historia en la gran pantalla.

“Mira, que no es por ti. ¡Que es por mí!”

Desencantada, vuelve Giselle con más brillo que nunca.

Quince años después de su final feliz, Giselle, Robert y Morgan se mudan a una nueva casa en el suburbio de Monroeville. La comunidad es supervisada por Malvina Monroe, quien tiene malas intenciones para la familia.

Volvemos a sumergirnos en la historia de Giselle y en sus aventuras, está vez la seguimos desde el centro de Nueva York hasta las afueras de la ciudad a Monroville, donde las cosas empiezan mal desde que llegan a su nueva casa.

La familia se traslada a una casa de cuento, que Giselle adora y que busca convertir en su vida de sueños. Volvemos a ver de nuevo al príncipe Edward y a Nancy que para celebrar su nuevo hogar les regalan algo muy especial del Reino de Andalasia que puede hacer realidad cualquier deseo que se pida mientras la sostienes.

La nueva aventura de la familia en su nuevo hogar empieza a torcerse en el momento en que Morgan empieza su nuevo instituto y empieza a hartarse de estar lejos de su hogar en Nueva York. Deja de ser quien era para convertirse en una adolescente irritada por la situación, que empieza a llamar a Giselle madrastra y a hacer lo que quiere.

Aquí es cuando Giselle busca su cuento de hadas real, esperando que las cosas vuelvan a ser como antes y todos sean felices. Incluyendo sin querer en su deseo, a una ardilla amiga suya y al resto de vecinos de Monroeville.

Esta nueva historia, que continua unos años más tarde que la anterior película (Encantada,2007), está de nuevo repleta de canciones que te harán tener ganas de cantar y te divertirán. Tiene un ritmo algo rápido en algunas escenas y puede resultar más predecible en sus giros argumentales, pero aún así es una película que entretiene y hace que pases un gran rato. En ella te encontrarás con animales que hablan y detalles muy cuidados en la ambientación y en cada ropa que aparece, incluidos vestidos de ensueño.

Esta nueva cinta además, tiene guiños muy bonitos a otros clásicos de Disney incluidos La Bella y la Bestia o Cenicienta entre muchos otros. Además de varias villanas que le dan un toque más de diversión.

El reparto original vuelve encabezado por Amy Adams (La llegada), Patrick Dempsey (Anatomía de Grey), Gabriella Baldacchino (Ask for Jane) e Idina Menzel (Frozen II) y James Marsden (Westworld) junto a otrs caras nuevas en la franquicia como son: Maya Rudoplh (Entre vino y vinagre),Jayma Mays (Glee), Yvette Nicole Brown ( El Mister) entre otras. Todas juntas forman un reparto inolvidable que te hará pasar un rato entretenido.

La película está disponible en Disney+.

AS BESTAS: LAS BESTIAS SALEN A LA LUZ DEL DÍA

Estrenada el pasado 11 de noviembre, ya podéis disfrutar de esta nueva producción española inspirada en un crimen real. Dirección de la mano de Rodrigo Sorogoyen y guión de Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen. La BSO de Olivier Arson, efectiva en todo momento y una dirección de foto por Alejandro de Pablo.

Con sus 137 minutos de duración, Rodrigo Sorogoyen se toma su tiempo en ir cociendo a fuego lento una atmósfera tensa, difícil de digerir e incluso terrorífica. Puede que estemos frente a una de esas películas donde el espectador vivirá el terror a la luz del día, en medio de paisajes frondosos y verdes y en una zona tranquila y rural de Galicia. Ya de por sí, que se genere esa emoción de thriller/terror a la luz es difícil de conseguir, pero Sorogoyen lo consigue con creces. Con unas interpretaciones muy destacables por parte de todos y cada uno de sus actores/actrices, en especial mención a Luis Zahera y Denis Ménochet. 

Argumento: 

Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.”

Antoine (interpretado por Denis Ménochet), se muda a este pueblo de Galicia con la intención de retirarse, dedicarse a la tierra y sus cultivos y a reparar viejos caseríos de la zona para repoblarla. “Franchute”, que es así conocido por el pueblo, está poco dispuesto a vender sus tierras para la instalación de molinos eólicos. Cosa que Xan (Luis Zahera), no acepta ni lleva especialmente bien ya que supone una pérdida de dinero por parte de las empresas. Al llevar toda su vida en el mismo pueblo, se siente con más derecho de decisión que su vecino el “franchute”, que solo lleva un par de años allí. Antoine y su mujer Olga se ven amenazados ante la ira, racismo y agresividad de los hermanos Xan y Lorenzo. Todo esto con el fin de que el matrimonio francés se mude del pueblo, pero al no conseguirlo, las cosas comienzan a torcerse y torcerse.

En esta película se distinguen perfectamente dos partes: una primera donde una forma de narrar muy thriller-psicológico que nos recuerda, por ejemplo, a “Perros de paja”, y a ratos recuerda un estilo western de Sam Peckinpah. Cámara estática con planos más fijos, donde todo el peso de la puesta en escena recae en los actores, que trabajan narrativamente a favor de la cámara. Muchas escenas donde sólo con las miradas va cociéndose toda la tensión entre los personajes. Luego tenemos una segunda parte más dramática e intimista, donde nos centramos más en la historia de su mujer Olga (Marina Foïs) y la hija del matrimonio francés, Marie, interpretada por Marie Colomb. En esta segunda parte, la cámara se mueve y acompaña a los personajes en su travesía. 

Es, en mi opinión, una película totalmente atmosférica, que te atrapa y te da buenos golpes mientras estás sentado casi sin poder reaccionar a lo que tus ojos ven. Que sea una cinta basada en hechos reales no hace que te sientas mejor, evidentemente. Tiene unos cuantos momentos bastante tensos en ese bar, entre unas copas, entre partidas al dominó… momentos lentos que generan adrenalina. Una película que creo que debería verse al menos una vez y disfrutarse (¡y mucho!). Yo estoy reflexionándola y reposándola mucho y creo que volveré a verla. Esta crítica ha sido mi mejor ejercicio de reconciliación con ella. Buenísima opción para ver este fin de semana si no la has visto. Creo que podría ser de la favoritas en los Goyas. Una grata sorpresa.

“La Mujer Rey”, una peli de mujeres al completo

Un día más hemos podido asistir a un pase de prensa gracias a Sony Pictures, en esta ocasión de la próxima película que se estrenará en cines con Viola Davis como cartel principal.

La Mujer Rey es una película dirigida por Gina Prince-Bythewood, con guión de Dana Stevens e historia de Maria Bello y Dana Stevens. La dirección de fotografía corre a cargo de Polly Mogan y la música es de Terence Blanchard y Lebo M. Las compañías son Jack Blue Productions, JuVee Productions, TriStar Productions, Welle Entertainment, Entertainment One y la distribuidora es TriStar Pictures. El reparto está formado por Viola Davis, John Boyega, Lashana Lynch, Hero Fiennes Tiffin, Thuso Mbedu, Adrienne Warren, Jayme Lawson, Sheila Atim, Masali Baduza y Jordan Bolger entre otros.

Cuenta con una duración total de 135 min, con escena postcréditos y está en la categoría de drama, histórica, acción, esclavitud, feminismo. Se desarrolla en el siglo XVIII – XIX.

La película narra la historia del Reino de Dahomey, un reino de los más poderosos de África y está basada en hechos reales. Seguimos la historia de Nanisca, una general militar de un grupo exclusivamente formado por mujeres, las Agojis y la historia de Nawi, una joven de 19 años recién llegada a este grupo, codiciosa, valiente y sin pelos en la lengua. Ellas junto a sus “hermanas”, luchan contra sus enemigos para abolir la esclavitud y contra los que amenazan con destruir a todo su reino, a la vez que van formando lazos inquebrantables con su tradición y las personas que conocen.

Respecto a los aspectos técnicos, se utiliza mucho el plano medio y planos generales sobre todo, alternados con algunos primeros planos. Son planos en su mayoría en movimiento y de angulación neutra. La iluminación es natural puesto que se desarrolla en exterior casi todo. Maquillaje y vestuario adecuado a la forma de vestir de ese reino. La música es bastante épica y primordial en momentos de acción. Localizaciones exteriores en su mayoría.

La crítica de la peli en sí es la siguiente. Es una película muy entretenida, cargada de acción con peleas y también de tono dramático. No se hace extensa en absoluto, el guión está muy bien escrito, se disfruta minuto a minuto la historia y te mantiene atento/a. Las interpretaciones son muy buenas pero cabe destacar la de su protagonista, Viola Davis. Expresa perfectamente los sentimientos e intenciones de su personaje y se ve una clara evolución de principio a fin. También es informativa, ya que este reino existió realmente y es interesante de conocer la historia de las Agojis, este grupo militar de mujeres que ganaban en coraje y fuerza a muchos otros ejércitos masculinos, así como ese sentimiento de hermandad y familia que tenían entre ellas. Una historia a veces triste pero también emotiva y bonita, que habla de la calidad humana.

Así que en definitiva, si os gustan el género histórico mezclado con luchas cuerpo a cuerpo esta película no os defraudará. También es muy recomendable de ver para ser consciente de que también existía un feminismo en los siglos XVIII y XIX en África, del cuál no se suele hablar en los libros de historia. Eso sí, es una película violenta y sangrienta en combate, por lo que no es muy recomendable de ver si no te gusta este tipo de escenas así como tampoco es para niños/as. No es una película familiar, es una película de historia y dura por momentos. Aún así, a mi me ha gustado mucho y la recomiendo ver sin duda, merece la pena.

Aquí el tráiler y póster promocional. Esperamos os guste y animéis a ir al cine a verla.

Reseña LA ESCUELA DEL BIEN Y DEL MAL

Que a Netflix le gusta sorprendernos no es nada nuevo; la cuestión es si consigue el efecto deseado o no. Últimamente, la plataforma está sacando nuevas películas y series, unas con más éxito que otras, y hace solo unas semanas pudimos disfrutar del estreno de una de ellas: La Escuela del Bien y del Mal, un filme de dos horas y media basado en el primero de los libros que conforman la saga.

La película narra las aventuras de Sophie y Agatha, dos amigas muy diferentes la una de la otra. Mientras a Sophie le encantan los libros de fantasía, Agatha prefiere los de terror. Mientras que Sophie es rubia y una buena chica, a Agatha la tachan de bruja por su pelo oscuro encrespado y su siniestro aspecto. Se conocieron tras la muerte de la madre de Sophie y, desde entonces, han sido inseparables. Pero todo cambia cuando descubren la existencia de la Escuela del Bien y del Mal, un lugar donde se entrena a los héroes y los villanos protagonistas de nuestros cuentos y le dan forma a nuestra realidad. Sophie arde en deseos de ir y convertirse en princesa, pero a Agatha no le gusta un pelo el asunto…

La historia cuenta con varios aspectos predecibles, pero consigue sorprendernos con algunos giros poco esperados, como la elección final de Agatha respecto al hijo del rey Arturo. Lo que más me ha gustado ha sido cómo la chica a la que consideraban una bruja en su aldea se convierte en el único eslabón que lo mantiene todo unido. Su carácter firme la hace perfecta para el papel que ejerce. Por su parte, Sophie rompe la jaula en la que siempre se ha visto prisionera y descubre una parte de sí misma que desconocía. Eso sí, la lección está bien clara: no todos somos buenos o malos, únicamente; existe una gama de grises que nos hace humanos.

En cuanto a los efectos especiales, no podemos esperar mucho de una película de fantasía producida por Netflix. Sí es cierto que los conjuros mágicos parecen realistas, no así otros momentos de la película. La banda sonora no resulta llamativa, salvo por el uso de extractos de algunas canciones conocidas, como Toxic, de Britney Spears, o la banda sonora de La Bella Durmiente.

En general, no es una película que hubiese tenido una buena acogida en los cines. Su estreno en la plataforma ha sido la mejor opción para ella. Sí le reconozco a Netflix su apuesta por la fantasía, en especial por la fantasía juvenil. Eso acerca este género a un público que suele ser escéptico, así como a los más pequeños, que encontrarán en La Escuela del Bien y el Mal la película perfecta para una tarde de mantita y palomitas. Se trata de un filme entretenido, divertido y ligero.

La nota que le doy es un 6,5/10. Quedo a la espera de que salga la segunda película y de que mejoren los efectos visuales.