Until Dawn es una película de David F. Sandberg y escrita por Gary Dauberman que desde el primer momento te mantiene pegado al asiento con la incertidumbre por saber qué va a pasar.
La historia, protagonizada por Ella Rubin, Michael Cimino, Ji-Young Yoo, Odessa A’zion y Peter Stormare, toma lugar un año después de la desaparición de Melanie (Maia Mitchell) hermana de Clover (Ella Rubin), quien con ayuda de sus amigos van hasta el lugar misterioso donde fue vista por última vez y del que no es tan fácil salir.
El grupo de amigos queda atrapado en la noche de ese lugar misterioso y están obligados a revivir la pesadilla una y otra vez, pero ¿cuándo se acabará?
Hill (Peter Stormare) los lleva al límite, haciéndoles cuestionarse si conseguirán salir de ahí a cambio de pagar un precio muy alto.
Sandberg, de una forma ligera consigue llevar cada momento a la intensidad que necesita para mantener la tensión y dejándote con ganas de seguir viendo más.
A medida que la historia avanza los personajes se arriesgan más y te hace plantearte a la que vez que lo hacen ellos lo que eres capaz de hacer por la gente que quieres y por ti mismo, qué estás dispuesto a dejar atrás, incluso si es tu vida o la de los demás por salir de ahí.
Lo que al principio parece un simple thriller se acaba convirtiendo en una trama de terror que junta lo psicológico con lo slasher y hasta con lo cómico.
Con un ritmo rápido, Until Dawn te mantiene alerta en todos los sentidos haciéndote formar parte de la historia. Los lugares que van encontrándose los amigos ahondan más en ese terror que te puede llevar a otros universos sobrenaturales lo que hace que sigas queriendo saber qué va a ser lo siguiente, si lo conseguirán.
No hace falta saber de qué trata el videojuego para engancharte a esta película de terror que sin duda a más de uno le hará dar un salto del asiento o incluso soltar una carcajada.
¿Te imaginas un festival que premie a sus ganadores con bustos de Don Quijote? Pues sí, existe y se llama FICIMAD (Festival Internacional de Cine Independiente de Madrid), una competición que acepta películas de todo el mundo.
En esta quinta edición, el actor y cómico Eduardo Battaner nos dio una cálida y muy divertida bienvenida. Rompió el hielo con el público y presentó a los representantes de todos los cortos, quienes ofrecieron una breve introducción de lo que íbamos a ver. A continuación, nos sumergimos en dos horas y media de cortometrajes. Aunque podríamos detenernos en cada uno para analizarlos en detalle, lo que haré es ofrecer una lista de los filmes que destaco personalmente por su cercanía, humanidad y, en algunos casos, humor:
La compañía Cortometraje candidato a los Premios Goya 2025 y al Festival de Moscú. Dirigido por José María Flores, nos relata la historia de una pareja que camina por la vía pública; han dejado a los niños en casa y salen a cenar, mientras una multitud se arremolina en torno a algo misterioso. Déjate llevar por este exquisito plano secuencia y no temas: es un viaje que solo se vive una vez en la vida. Podréis encontrar esta película en Filmin.
Gift Cortometraje candidato al Festival de Cine del Ojo Cojo y ganador en FICIMAD al mejor actor revelación (Eita Shimura), dirigido por Yuichiro Nakada. Gift cuenta la historia de dos destinos muy distintos que se cruzan y forjan un vínculo familiar. Por un lado, Yasser, ex refugiado sirio y actual repartidor de comida; por otro, Eita, un solitario chico japonés que juega en el parque de la ciudad. Una historia que te hará sentir como en casa, incluso siendo un desconocido. Este cortometraje también lo podréis encontrar en Filmin.
Lo que no nos decimos Con 34 nominaciones en distintos festivales del mundo —como el Festival de Cine de Almagro, AIFF (Ariano International Film Festival), Nevermore Film Festival, entre otros— y ganador a la mejor banda sonora en el FICCUE, además de contar con un par de menciones especiales, este cortometraje es dirigido por Txema Ballano. Txema nos adentra en la historia de Javi, un actor muy reconocido que se ve sorprendido por el abrupto fallecimiento de su padre, quien hasta entonces había estado ausente. Javi acude a la morgue para reconocer el cadáver y, asombrado, vive un encuentro surrealista que le obliga a enfrentarse a traumas tanto presentes como pasados. Se trata de una producción que sorprende al espectador en tan solo 15 minutos de duración. Aunque el cortometraje no está disponible en su totalidad, podréis ver el tráiler en YouTube.
Entusiasta vital Cortometraje ganador del premio a la mejor actriz en FICIMAD para Clara Ruiz y nominado en Notodofilmfest, es el filme con el que se estrena la productora audiovisual Dabuti Films. Dirigido y escrito por Carolina Pérez, Entusiasta vital presenta la premisa de que dos parejas se reúnen todos los viernes a cenar, pero una de esas cenas cambiará sus vidas para siempre. Esta perspicaz, genuina y fresca comedia la podréis ver en YouTube. Además, próximamente publicaremos una entrevista con su equipo en nuestras redes sociales.
No mencionaré el resto de los cortometrajes por cuestiones de extensión, pero cabe destacar que FICIMAD realizó un gran trabajo en la selección de cada uno de ellos. Os invito a consultar su web, donde encontraréis toda la información necesaria para verlos y conocer sus nominaciones en el festival.
Al finalizar el evento, lo único que se escuchó fueron vítores y aplausos. FICIMAD es un festival de cine corto pero intenso, que deja con ganas de más. Además, es accesible a todos los públicos, ya que ofrece entrada gratuita hasta completar aforo. Es divertido, cuenta con la presencia de un cómico carismático que da la bienvenida, y la mayoría del equipo está formado por gente joven, abierta, amable y con un trato excelente. Sumado a esto, es una excelente oportunidad para conocer a profesionales de la industria audiovisual, ya que al terminar el evento, los equipos permanecen en la zona para saludar y atender cualquier pregunta.
FICIMAD ha plantado una semilla para que todo el mundo vea su florecer. Si esta ha sido sólo la quinta edición, ¿qué expectativas tendremos para la próxima?
En Uno equis dos, el director Alberto Utrera nos lanza a una historia que empieza como una comedia de amigos pero que, poco a poco, se va transformando en un thriller inesperado, lleno de tensión y giros oscuros. La película sigue a Chino (Paco León) y Josu (Raúl Tejón), dos amigos de toda la vida que llevan años apostando en la misma quiniela, soñando con dar el golpe de suerte. Y justo cuando parece que la fortuna finalmente les sonríe, tienen 12 de 13 resultados acertados, el último partido es el que podría cambiarlo todo. Pero claro, lo que comienza como una celebración entre amigos se convierte en una prueba de fuego sobre lealtad y principios.
La película juega con el dilema de siempre: ¿qué pesa más, la amistad o la oportunidad de hacerte rico? La química entre Paco León y Raúl Tejón es evidente, logrando transmitir esa complicidad de años, que empieza a desmoronarse cuando el dinero entra en la ecuación. Utrera aprovecha este tirón para crear una narrativa rápida, con diálogos ingeniosos y situaciones que, aunque algo exageradas, siguen siendo bastante creíbles. Pero la gran sorpresa llega cuando la película da un giro radical y lo que parecía ser una comedia ligera se convierte en un thriller intenso, donde la violencia y la desesperación empiezan a escalar rápidamente.
Aunque la amistad sigue siendo un tema central, lo que realmente destaca es cómo las relaciones personales, en especial las sentimentales, pueden desmoronarse cuando el dinero y la avaricia entran en juego. Un malentendido entre los personajes desencadena una espiral de caos que cambia por completo la historia. En cuanto al reparto secundario, Kimberley Tell y Adam Jeziersky le aportan frescura y equilibrio a la trama, mientras que la dirección mantiene un ritmo ágil, sabiendo exactamente cuándo romper con las expectativas del espectador.
Uno equis dos no reinventa la rueda, pero logra engancharte con una historia sencilla que se va complicando y volviendo mucho más intensa de lo que imaginabas al principio. Al final, te deja pensando que a veces, las apuestas más grandes no son las que haces en un boleto, sino en las relaciones que decides mantener o dejar atrás. Si te gustan las historias que empiezan ligeras pero terminan en un torbellino de caos, violencia y sorpresas, esta es para ti.
¿El amor realmente dura para siempre? ¿Puede sobrevivir a la traición y la rutina? Estas son algunas de las preguntas que plantea NOSOTROS (2025), el nuevo largometraje de Helena Taberna, protagonizado por María Vázquez y Pablo Molinero; en los papeles de Ángela y Antonio.
A través de una narrativa fragmentada con saltos temporales y un lenguaje visual cuidadosamente construido, la película nos sumerge en la historia de una pareja al borde de la separación.
Desde la escenografía hasta la iluminación y el vestuario, cada elemento está diseñado para comunicar lo que las palabras no dicen. Helena utiliza el cine como un lenguaje visual donde cada detalle anticipa el desenlace de la relación. En especial, el uso la paleta de colores: el azul y el amarillo, opuestos pero complementarios, reflejan la evolución de la historia y nos ubican dentro de la línea temporal. En el presente, dominan los tonos fríos y una iluminación azulada que transmite el desgaste de la relación, con planos estabilizados que refuerzan la sensación de distancia. En contraste, el pasado se retrata con planos cerrados, cámara en mano y una iluminación cálida en tonos amarillos, evocando la pasión inicial.
Un elemento simbólico que atraviesa toda la película es el sofá azul, testigo silencioso del inicio y el final de la relación. A través de los recuerdos fragmentados de los protagonistas, el espectador reconstruye la historia, eligiendo por sí mismo qué fue lo que llevó a la ruptura: ¿la monotonía, las responsabilidades, la infidelidad? Helena no da respuestas cerradas, sino que deja espacio para la interpretación.
En su esencia, NOSOTROS es un relato sobre el amor contado desde una perspectiva cruda y realista, alejada del ideal romántico que tantas veces hemos visto en el cine. Con un enfoque que recuerda a Eternal Sunshine of the Spotless Mind, pero sin artificios, la película invita a cuestionar la idea de que el amor todo lo puede. No es solo una historia de pareja, sino una reflexión sobre los desafíos de cualquier relación de pareja. Una obra imprescindible para el análisis narrativo y cinematográfico, que rompe con los cuentos de hadas y nos muestra el amor tal como es: complejo, contradictorio y, a veces, imposible de salvar.
Una muy grata sorpresa lo que ha supuesto el cortometraje “Extrema Gravedad”. El director Lorenzo Ayuso nos presenta una obra de 6 minutos que no dejará indiferente a nadie, os lo aseguro. El cortometraje, premiado recientemente con el galardón a Mejor Cortometraje Internacional en el Hollywood Horrorfest, y que acumula la friolera de 40 selecciones internacionales, nos habla de algo tan serio y actual (desgraciadamente) como es el suicidio. Y es que nuestro protagonista se dispone a eso desde un primer momento: quitarse la vida.
Álvaro Márquez interpreta a nuestro desafortunado protagonista, y David Blanka hará las veces de secundario. Todo el corto se desarrolla con un plano fijo y frente a una cámara de vídeo (el personaje de Márquez está grabando su intento de suicidio). Una habitación y una cámara, nada sobrecargado en absoluto para llevar a cabo esta historia que nos quieren contar y que, de hecho, aprovecha muy bien este punto.
La obra de Ayuso parece que va a tener un tono dramático en su inicio, pero nada más lejos de la realidad. Según avanza, podemos observar cómo nos encontramos ante una comedia negra de manual, y muy bien llevada, por cierto. Ese tono ácido nos hace afrontar desde un punto de vista más humorístico un tema que no tiene ninguna gracia, y le sienta de fábula. Se nota mucho cuando las cosas están hechas con cariño y sabiendo cómo deben ser llevadas a cabo, sin florituras innecesarias y con un equipo repleto de talento, desde el primer hasta el último miembro del mismo.
Poco más se puede decir sin desvelar nada más sobre la trama. Solamente animaros a descubrir este cortometraje que, por lo menos a mí, me ha parecido un soplo de aire fresco entre tanto drama. Porque la vida puede contener mucho drama (demasiado) pero todo depende del punto de vista del que miremos.
¿El personaje de Blanka? Tendréis que descubrirlo por vosotros mismos…
He de confesar que no había podido disfrutar de las dos primeras entregas de Paddington hasta que me enteré de que iba a ver la tercera parte. Pues bien, quiero empezar esta crítica disculpándome ante todos vosotros, porque no sabía lo que hacía. Tras una primera entrega divertida y sorprendente, la segunda parte elevaba todo a la máxima potencia y nos brindaba una película formidable. Por cierto, Pedro Pascal tiene algo que decir sobre eso.
Después de la friolera de 8 años de espera (7 para EEUU) el osito inglés llega con la intención de brindarnos de nuevo una experiencia insuperable. ¿Lo consigue? No como la segunda, pero vaya si lo consigue.
Esta vez, Paddington tendrá que viajar hasta Perú para volver a ver a su tía. No todo es tan sencillo, ya que el reencuentro se convertirá en una búsqueda incesante a la par que divertida por la implacable selva amazónica. No estará solo, ya que la familia Brown le acompañará (nótese el relevo de Sally Hawkings por parte de Emily Mortimer) y ayudará a su vez a enfrentarse al villano de la cinta, un divertidísimo Antonio Banderas, que se lo pasa de fábula (lo mejor de la película, en mi opinión). Pero no es la única novedad en el reparto, ya que la tremenda Olivia Colman también se dejará ver, interpretando a una monja de lo más excéntrica. Otra que se lo pasa como una niña pequeña y que da comienzo a la película con un número musical que te deja claro el tono rocambolesco del film.
El argumento y la pegada general son más ligeros que en sus anteriores entregas (sobre todo la segunda) pero el ritmo sigue siendo espectacular, más para una película “infantil”. Y lo de “infantil” es solo una etiqueta, porque ese humor inglés tan característico que impregna todo el guion está dirigido en muchas ocasiones a los adultos. Bueno, por eso y porque ya quisieran muchas películas que van de adultas tener la mitad de calidad que tiene esta trilogía. Paddington: Aventura en la Selva sigue gozando de ese mix de inocencia y locura que hará que no retires la mirada de la pantalla en ningún momento, cosa que tiene mucho mérito. Los actores lo disfrutan (se nota), el ritmo no decae, los efectos visuales han mejorado con respecto a anteriores entregas, y en más de una ocasión se producen referencias a otras películas que harán las delicias del espectador más cinéfilo. ¿Qué más se puede pedir?
Pues no se puede pedir nada más. Se nota mucho cuando una película está hecha con cariño y pasión, y esta es una de esas ocasiones. Nuestro osito preferido nos vuelve a traer una aventura dulce, intensa, y divertida. Y ante eso solo podemos dar gracias y rendir pleitesía al auténtico héroe de acción del siglo XXI.
La respuesta es Nicole Kidman. Babygirl es un film de suspense erótico que cuenta con la espectacular interpretación de Nicole Kidman como Romy, la CEO de una empresa tecnológica que vive una vida de ensueño pero tras una necesidad sexual sin resolver en un matrimonio de más de 20 años junto a su devoto esposo interpretado por Antonio Banderas; se enbarca en una ardiente aventura erótica con el nuevo becario de la oficina, Samuel (Harris Dickinson) quien pondrá a prueba a su mentora en una constante relación de poder.
La película arranca con mucha pasión en un orgasmo que es tan falso como los últimos animales generados por ordenador del live-action de Mufasa. Desde ahí la pelicula crece en un constante drama cargado de erotismo mientras toda la vida de ensueño se desmorona poco a poco. Babygirl plantea una dualidad entre el empoderamiento femenino y la sumisión que puede existir en la realidad más próxima dentro de las relaciones de poder; tan cerca de la veracidad que en una entrevista la directora Halina Rhein confirmó que hay ciertas escenas de la película que surgen de su propia vivencia personal.
Sin embargo, un papel tan complejo y dual psicológicamente es un gran reto actoral que ha asumido con creces la actriz Nicole Kidman coronándose con una actuación de 10.
La austroestadounidense presenta un personaje tan cambiante como el conflicto mismo, jugando muy bien a esconder el juguete roto que realmente es con una fachada de confianza y elegancia. Kidman no tiene miedo a la incomodidad que puede existir en ciertas escenas; y dejamos de ver a la madre y esposa preocupada por su familia como en Los Otros (2001) o The Undoing (2020) para mostrarnos otro tipo de madre más independiente y alejada de su labor familiar, impulsada por sus deseos más oscuros. Por otro lado, sorprende ver a Antonio Banderas en el filme puesto que a pesar de no salir ni ¾ partes del metraje, demuestra que los buenos actores, al igual que en el fútbol, no necesitan de muchos minutos para marcar la diferencia.
Quitando la interpretación rigurosa de este reparto; esta película no es más que una cinta que recuerda las tramas de thriller erótico que están de moda entre el público juvenil pero adaptada a un espectador más maduro, intentando profundizar en diversos temas como la libertad sexual de las mujeres, la relaciones de pareja, el empoderamiento femenino y la sumisión, las relaciones abiertas, el matrimonio, etc… quedándose en un tira y afloja de empoderamiento y sumisión, casi absurdo entre los coprotagonistas, pues es tal el número de temas que quiere abarcar la pelicula que incluso en el propio final el personaje no llega a ninguna conclusión y termina practicamente igual que estaba. No existen consecuencias, no hay moraleja; quizas de eso se trata y sorprende: que en la vida no hay que buscarle siempre una lección a todo, pero es cierto que la película es más narrativa que mostrativa y genera cierto desajuste con el espectador. ★★★
La comedia es un signo característico de este país, y más en el cine. En los últimos años hemos visto cómo nuestras salas se llenaban debido a la presencia de comedias patrias. Unas mejores que otras, eso sí. La llamada “nueva comedia” en EEUU provocó un cambio importante en la forma de hacer y de vender este tipo de productos. Es fácil reconocer las comedias más contemporáneas en España, ya sea porque cuentan con un póster de color chillón o porque cuenta con los 3-4 actores de siempre, acompañados de algún secundario interpretado por alguien que esté de moda en ese momento.
Cierto es que cuesta encontrar algún producto rescatable en un catálogo tan amplio, aunque siempre encontramos excepciones (sin llegar al nivel de locura de 8 apellidos vascos o cualquiera del multiverso de la locura de Santiago Segura). Afortunadamente, esta es una de esas excepciones.
A ver, que tampoco me quiero venir demasiado arriba. Un lio de millones no es la octava maravilla (ni lo pretende) pero sí que es verdad que se agradecen películas así de vez en cuando, que sepan lo que quieren ser y nos hagan pasar un buen rato sin demasiadas pretensiones. La directora Susan Bejar nos entrega una comedia ligerita repleta de gags típicos pero efectivos y liderada por un dúo protagonista que, para que vamos a negarlo, eleva significativamente el nivel del producto en cuestión. Antonio Resines y Gracia Olaya interpretan a un matrimonio cuya relación con sus dos hijos (interpretados por Clara Lago y Alberto Olmo) no atraviesa su mejor momento, que digamos. Para intentar recuperar su cariño y que sus hijos vuelvan a interesarse por ellos, los dos protagonistas urden un plan: hacerles creer que han ganado la Lotería.
Como ya he comentado, todo el peso de la cinta lo llevan Resines y Olayo, que están estupendos y generan unas situaciones que arrancan más de una risa (en especial algunos momentos del personaje de Gracia Olayo conversando con su “asistenta”). La película se basa en eso, segmentos humorísticos de los ellos dos mientras se rodean del resto de personajes y sus correspondientes historias. Esos momentos son los que hacen que el ritmo de la película se resienta, en mi opinión. Lago y Olmo hacen lo que tienen que hacer, consiguen que les cojas una tirria del copón, pero sus segmentos no llaman la atención que tienen que llamar (en especial los del personaje de Olmo). ¿Que por qué digo esto? Pues porque, como en toda comedia de este tipo, siempre hay secundarios que aportan un “punch” a la historia, y en este caso contamos con la presencia del bueno de Raúl Cimas. Podrá gustarte más o menos, pero es innegable que este hombre tiene una capacidad innata para decir cualquier cosa y que resulte cómico a más no poder.
Tampoco se puede comentar mucho más de la película. Obviamente sabes cómo se va a desarrollar la historia y cuál va a ser su resolución, pero esas situaciones típicas a la par que rocambolescas, impulsadas por su reparto, hacen que te encuentres ante una película sencilla, divertida, y efectiva. Sin duda es un producto al que arrimarte estas navidades si lo que buscas es ir al cine para pasar un buen rato sin necesidad de descubrir la novena sinfonía de Beethoven pero manteniendo una calidad más que digna.
Y es que a veces, lo único que buscamos es olvidarnos de todo y pasarlo bien sin necesidad de pensar en nada más. Como siempre os animo a que vayáis a verla y opinéis vosotros mismos.
El llamado Sony-Verse se inició como un proyecto a largo plazo en el que Sony intentaría replicar la fórmula de Disney/Marvel, es decir, un universo compartido de, en este caso, villanos de la factoría Spider-Man. Lo que veríamos de ahí en adelante serían interpretaciones de los personajes en cuestión un tanto (bastante) alejadas de su versión de los cómics. Así que ahí se dirigía Sony, dispuesta a reventar la taquilla (cosa que hizo, por cierto) con su primera y gran apuesta: Venom. El resto, como se suele decir, es historia.
Después de la despedida de Venom el pasado octubre, llega Kraven: el Cazador para poner punto y final a este universo (si es que se le puede llamar así). Aaron Taylor-Johnson vuelve a sumarse a una película Marvel, esta vez interpretando a Kraven, uno de los villanos más famosos y salvajes (je) de Spider-Man. Está claro que lo de villano se lo vuelven a dejar en los cómics.
Si, amigos. Nos volvemos a encontrar con ese término que tanto miedo da escuchar: “antihéroe”. Llamamos “antihéroes” a aquellos personajes cuyos actos son cuestionables, pero que no llegan a ser unos villanos per se, sino que caen bien y hacen que el espectador empatice con ellos. Kraven, como no, está incluido en ese lote.
Kraven el Cazador es floja, muy floja. Mira que el nivel del universo de villanos de Sony no es nada del otro mundo, pero a esto lo llamo yo irse “por la puerta grande”. La película es un A, B y C de manual. ¿El argumento? Kraven es el hijo de un hombre malvado (interpretado por Russell Crowe) que adquiere poderes gracias a una niña que se lo encuentra porque sí. Pasados los años, se dedicará a cazar criminales mientras lucha con su pasado. Oséase, una historia de venganza de toda la vida. El problema es que parece más un defensor que un villano. Taylor-Johnson está mazadísimo y todo lo que quieras, pero no ves a la bestia que es Kraven por ningún lado. No infunde ese miedo que tiene que infundir un personaje así. El actor se entrega, pero le ponen durante las dos horas de duración a correr de arriba abajo y escalar. Escala mucho. Vamos, que estamos ante un biopic de Tom Cruise y Jesús Calleja, juntos en la misma persona. El resto de personajes pasan sin pena ni gloria, incluidos unos villanos que… telita. Por un lado tenemos a Rhino (protagonizando un momento que sigo sin poder describir) y a un señor que cuenta hasta 3 y que es clavado a Miguel Maldonado. Todos ellos tienen delante un guión del todo irregular, cuyo montaje no le favorece en absoluto, encontrándonos un largometraje lleno de parches y saltos que saltan demasiado a la vista.
El aspecto visual es el común en muchas de las actuales superproducciones, desgraciadamente. A lo mejor soy yo que me he vuelto demasiado exquisito, pero los cromas se ven a la legua, y el CGI de algunos personajes es bastante cuestionable. En su día avisaron de que iba a ser sangrienta debido a la naturaleza del personaje, y no mentían, aunque de nada sirve “tanta” sangre si, debido al ya mencionado montaje, ni se aprecia al estar interrumpida por los cortes mal hechos y unos planos que aumentan pero que también disminuyen la apreciación de lo que ocurre en pantalla.
Parece que nada ayuda en este film cuyo presupuesto asciende a los 130 millones de dólares. Pues no, todo ese potencial no ha sido ni mucho menos aprovechado. Y eso es lo que pasa cuando no se conoce la historia de los personajes que se quieren adaptar a la gran pantalla, que te sale un mundo de villanos que no son villanos y de universos compartidos que no son universos compartidos. Kraven es el colofón a un proyecto sobre el mundo de Spider-Man al que solo le faltan dos cosas: cabeza y… Spider-Man.
Como siempre, os animo a que vayáis a verla y opinéis vosotros mismos.
La verdad duele. La verdad tiene que ser contada. Y eso es precisamente lo que ha conseguido “Las chicas de la estación”.
Más que una película, es una llamada de atención, y una forma tremendamente directa de decirnos “eh, que esto existe y lo tenemos frente a todos nosotros”. Juana Macías compone un largometraje (escrito junto a Isa Sánchez) en el cual se cuentan las cosas tal y como son. Aquí no hay medias tintas, lo que se tiene que decir se dice y lo que se tiene que mostrar, se muestra.
Basada en una historia real, nos cuenta la historia de tres amigas (Jara, Álex y Miranda) que viven en un centro de menores. Han crecido sin referentes positivos alrededor, cosa que les ha hecho tener que “buscarse las castañas” desde pequeñas. Y eso no es algo precisamente bueno, viendo lo que vemos en la película. Todo comienza con el cumpleaños de nuestra principal protagonista, Jara. El objetivo principal de las jóvenes es ir a un concierto, pero necesitan el dinero. Lo que parece una trama inocente y costumbrista pasa a ser un completo caos, cuando se ven envueltas en un oscuro mundo al juntarse con quien no deben para conseguir ese dinero. En definitiva, estamos ante una película de prostitución de menores.
Como ya he mencionado antes, la mejor forma de contar una historia así, es de esta forma. Sin andarse por las ramas, sin necesidad de maquillar nada. Estamos acostumbrados a encontrarnos con un tipo de narraciones en las que se insinúa en vez de mostrar. Aquí se da un pasito más allá.
Obviamente, no llegamos a ver determinadas situaciones al 100% (no es para nada necesario), pero sí que tenemos momentos que van más allá de lo normalmente mostrado. Todo es lo más crudo que puede llegar a ser, porque (tristemente) así es la realidad en la que vivimos. Nuestras tres adolescentes conviven en el purgatorio, para encontrarse con el mismísimo infierno en cuanto salen por la puerta. Eso no quiere decir que no vivan momentos preciosos, pero aún así es una belleza triste, insuficiente (no para ellas, sino para el espectador). Vemos disfrutar a esas chicas, ya sea estando en la playa o asistiendo a un concierto, pero todos sabemos que esa “felicidad” no es justa para ellas, ni para ningún ser humano que se precie.
El ritmo y pulso están muy bien medidos. Si bien contamos con una cámara en mano, esta se intensifica en aquellos momentos en los que nuestras protagonistas llegan a momentos de tensión extremos (se me viene a la cabeza un momento en particular con Álex), ofreciéndonos unos planos muy cerrados y sinceros, llenos de verdad.
El reparto está espectacular. Destaquemos a sus tres protagonistas (Salua Hadra, Julieta Tobío, y María Steelman), que se comen la pantalla, con el añadido de ser actrices primerizas. Sublimes las tres, nada fácil hacer lo que hacen, y haciéndolo como lo hacen. Por otro lado, tenemos al ángel y al demonio, que acompañarán de mejor o peor forma a las adolescentes durante las casi 2 horas de metraje. Como ángel contamos con la presencia de Pepo Llopis (El Juego de las Llaves). Éste representa esa calma y cabeza que necesitan las tres chicas, brindándonos una interpretación sosegada e inspiracional. Y nuestra villana está interpretada de una forma absolutamente cruda e impactante por La Fanny. Ella es la detonante del conflicto principal de la película, y por la cual nuestras protagonistas vivirán algunos de los peores momentos de sus vidas (que no los únicos).
Si tengo que ponerle algún “pero” diría que, en ocasiones, esa rotura de la cuarta pared se me ha hecho un tanto extraña por la forma en la que está realizada, descuadrándome por momentos. Y, en segundo lugar, he de decir que la historia de Miranda se me queda un tanto coja en comparación a las de sus dos compañeras de reparto. Siento que es un personaje con muchas posibilidades e interesante que no se llega a explotar del todo.
En definitiva, es una película cruda, real y directa, que no te deja indiferente. La vida puede ser horrible, pero Juana Macías nos deja claro que lo importante no es el lugar del que vengas, sino al que decides ir.
