Categoría: Reseña de cine

“Romper el Círculo” es una película que se adentra en el complejo tema de la violencia doméstica y el ciclo de abuso que puede transmitirse de generación en generación. La trama sigue la vida de una mujer que, desde pequeña, ha sido testigo del abuso físico y verbal de su padre hacia su madre. A lo largo de la película, se muestran diversas situaciones traumáticas que ha presenciado y cómo estas experiencias han afectado su vida y su capacidad para formar relaciones saludables.

Al crecer, la protagonista conoce a un hombre que, a primera vista, parece el ideal: atractivo, médico, y con una personalidad encantadora, como un príncipe sacado de un cuento de hadas. Sin embargo, la previsibilidad de la narrativa se hace evidente cuando el hombre perfecto comienza a mostrar un comportamiento celoso y controlador, revelando una inseguridad profunda. Este desarrollo, aunque esperado, está bien manejado y sirve para subrayar la tensión y el peligro oculto en la relación. 

Lo que realmente eleva la película es su giro final, que aporta una capa adicional de profundidad y reflexión. Después de un incidente horrible, la protagonista descubre que está embarazada. En el hospital un tiempo después cuando ella da a luz, el hombre le promete cambiar y buscar ayuda, una promesa común en situaciones de abuso. Sin embargo, en una escena climática, ella confronta a su pareja con una pregunta crucial sobre cómo reaccionaría si su hija enfrentara el mismo tipo de abuso. Su respuesta, que implica una reacción violenta hacia el abusador, destaca la hipocresía de su comportamiento y proporciona un momento de claridad para la protagonista.

Decidiendo romper con el ciclo de abuso que su propia madre no pudo, la protagonista pide el divorcio y opta por alejarse de su pareja, priorizando el bienestar de su hija y el suyo propio. Este acto de valentía y decisión no solo define su carácter, sino que también justifica el título de la película, “Romper el Círculo”.

La película, aunque a veces se siente como que busca el aplauso fácil al presentar a una mujer fuerte y decidida, ofrece un mensaje poderoso y necesario sobre la importancia de reconocer y romper con patrones de comportamiento destructivos. Aunque algunos espectadores podrían haber apreciado una exploración más profunda de la posible redención del personaje masculino, el enfoque en la fuerza y la resolución de la protagonista proporciona un final satisfactorio y esperanzador.

En resumen, “Romper el Círculo” es una película que, aunque predecible en algunos aspectos, entrega un mensaje importante y resonante. La valentía de su protagonista al enfrentar y romper con su pasado de abuso la convierte en una obra relevante y emotiva, digna de ser vista y discutida.

Tráiler oficial de la película:

En Pasaporte Akihabara nos gustan los videojuegos como al que más, por eso hemos ido a ver el preestreno de la película Borderlands gracias a Diamond Films.

Hace unos días, un amigo me lanzaba una pregunta bastante clara: «¿Cuál es tu película favorita basada en videojuegos?» Sinceramente, no supe qué contestar, porque si bien las películas que tengo más manidas con respecto a semejante temática son las de Resident Evil, estas son un auténtico despropósito en comparación al videojuego. ¡Y Borderlands no es mejor tampoco!

Reconozco no haber jugado al videojuego lo suficiente para poder enlistar todos los fallos con respecto a este, pero si ya partimos de la base de que los protagonistas no son los mismos (del todo) ni tampoco la historia (del todo), volvemos a toparnos con otro director que quiere hacer fortuna a costa de otro videojuego. Que sí, que ya, que no es fácil adaptar algo al cine porque tanto la literatura como los videojuegos son formatos distintos. Pero esa excusa funciona en cierta manera, cuando intentas seguir algo de lo que terminas desligándote, no cuando coges una idea y la cambias a placer para convertirla en la trama más hollywoodiense, comercial y machacada que hay. Porque a Eli Roth podemos darle el beneficio de la duda en cuanto a ambientar su película, pero cuando se trata de guion… bueno, todos sabemos el tipo de director que es Eli Roth y cómo le gusta la violencia y la acción tanto tantísimo que se olvida de crear una historia que vaya más allá de las cuatro directrices iniciales.

¿De qué va la película? Para que os situéis, Lilith (Cate Blanchett) es una cazarrecompensas a la que el dueño de la corporación Atlas (Edgar Ramírez) contrata para ir hasta el planeta Pandora y rescatar a su hija. Una vez la encuentra y descubre los auténticos planes de Atlas, que piensa usarla para algo muy feo, se une al equipo de bandidos de la niña junto a Roland (Kevin Hart), Krieg (Florian Munteanu) y Claptrap (Jack Black), a los que más adelante se une Tannis (Jamie Lee Curtis), con intención de impedir que Atlas logre sus fines.

A aquellos que hayan jugado a los videojuegos esto les sonará… vagamente, porque ya no hablamos de que la historia decida crear su propia trama dentro del mundo de Borderlands, como sucede en la serie de Fallout, sino que, como siempre, se aprovecha todo lo que se puede de la idea principal y se destripa en favor de intentar vender un producto audiovisual más o menos digerible. Y digo más o menos porque nos encontramos con un Mad Max conoce a los Guardianes de la galaxia, pero cuyo humor se parece más a las peores etapas de los Vengadores, cuando los chistes van a destiempo y están tan usados por las mismas personas que ya no hacen gracia, volviéndose anticlimáticos. Supongo que el dinero en contratar guionistas fue a parar al bolsillo de Cate Blanchett y Jamie Lee Curtis, al igual que la propia película. Dos horas que, teniendo en cuenta el género de aventuras y acción donde se adscribe la misma, no deberían haber pasado como si fueran dos años.

Resumiendo, el Escuadrón suicida de Eli Roth cumple con lo que su nombre promete, porque se inmola al no lograr ni siquiera servir como un producto aceptable de ocio que no te tenga pensando cada dos por tres «¿cuándo se acaba esto?».

Pero como en Pasaporte Akihabara no vivimos en ninguna dictadura, os dejamos a continuación el tráiler de la película para que este 9 de agosto podáis juzgar por vosotros mismos:

En Pasaporte Akihabara somos amantes de los perros, pero no tanto como el protagonista de
Dogman, película que hemos podido visualizar antes de su estreno gracias a Diamond Films.

Luc Besson tiene una filmografía como mínimo atípica. Salta de joyas como El quinto elemento
y León el profesional a películas más comerciales de la talla de Lucy o Valerian y la ciudad de
los mil planetas. Con Dogman, que ha sido nominada a mejor película en el Festival de Cine de
Venecia, no ha querido darnos tampoco tregua y ha logrado despistarnos todavía más en ese
intento absurdo por querer catalogarle. Bien por él, a decir verdad. Pues una etiqueta solo
limita y el cine es de las pocas cosas que no deberían limitarse, al igual que los sueños (¿y de
dónde bebe el cine si no es de los sueños?).

La estructura de Dogman se corresponde muy bien con thrillers hannibalescos donde la
entrevistadora, reportera o detective de turno interroga al protagonista de dudosa reputación,
pero, contrario a estos, no es esa mezcla difícil de digerir de miedo y admiración lo que aflora
dentro de uno cuando escucha su historia. En el caso de Dogman es imposible no rendirse a la
empatía. Es imposible no entender las aristas de la difícil vida de Douglas Munrow, su
protagonista, que ama disfrazarse, en parte, porque así se aleja de quién es en realidad. Que
ama actuar porque ello le permite ser otra persona por un momento, así como adora a los
perros porque ellos siempre han estado ahí para él cuando su familia no.

Contaros los aspectos más destacados de la psique de Munrow sería haceros los mayores
spoilers de la película, pues es ahí donde radica gran parte de su encanto. Por tanto, no me
extenderé demasiado en este punto y dejaré que seáis vosotros quienes los descubráis,
salpicados todos ellos por frases afiladas que se te clavan en el corazón cuando menos lo
esperas.

Así mismo, gracias a Besson, nosotros hemos podido descubrir a Caleb Landry Jones, el actor
protagonista al que hemos visto (pero sin ver) en otras grandes producciones como La red
social (2210), El último exorcismo (2010), X-Men: Primera generación (2011), Tres anuncios en
las afueras (2017), Déjame salir (2017), Twin Peaks (2017) y ya paro porque la lista se extiende
todavía más. Lo que está claro es que esta película marcará un antes y un después en su
carrera y le abrirá las puertas a la fuerza a más papeles principales. Eso sin mencionar que
Matt Reeves debería estar atento para ficharlo como el próximo antagonista de su Batman
porque es imposible que vaya a encontrar un Joker mejor y los que veáis la película no
tardaréis en darme la razón.

Dogman es un retrato roto en mil pedazos de un outsider con un corazón que no le cabe en el
pecho y que encuentra el apoyo y amor que necesita en el lugar menos esperado, a manos
(patas) de una especie que no es la suya pero que cuida a los suyos mejor de lo que lo hacen
los nuestros.

Por eso no os podéis perder esta película (si lográis verla en inglés casi mejor) y a continuación
os dejamos un tráiler para que os vayáis metiendo en la piel de este Joker de los perros que no
os dejará indiferentes:

Dicen que padre no haya más que uno, pero aquí, en Pasaporte Akihabara, hemos descubierto que se equivocan. No solo hay uno, sino que, en el caso de la película de Santiago Segura, hay hasta cuatro. Por eso hemos ido a ver Padre no hay más que uno 4: Campanas de boda gracias a Sony Pictures.

Santiago Segura lo intenta, de verdad que sí. Intenta mantener a raya todos los problemas que sus hijos, de distintas edades provocan, casi tanto como mantener esta saga a flote. Y parece que consigue ambos objetivos de la misma manera: con dedicación y un poco de suerte.

Porque cuando su hija mayor decide que quiere casarse con los dieciocho recién cumplidos, al mismo tiempo que otra de sus hijas se vuelve actriz, el otro entra en su fase existencialista antes de lo que le corresponde o la otra tiene envidia de su hermana pequeña, todo se vuelve un absoluto caos. Así nada la película casi constantemente, en un caos de problemas que no van demasiado de la mano, casi pareciendo más una sitcom que una película con su trama principal y que deriva en un plot twist que casi más parece de comedia romántica.

Por suerte contamos con caras bastante conocidas como para no haber disfrutado de ellas en otras ocasiones, copando la pantalla hasta límites insospechados y descubriendo, cada pocos minutos, otra más. Desde Toni Acosta, Silvia Abril, Antonio Resines, Vanesa Romero y Loles León hasta Antonio de la Torre. A mí, particularmente, me ha hecho ilusión encontrarme con Carlos Iglesias porque fui una de esas que se crio con un abuelo albañil que veía todos los días Manos a la obra.

No sé si una quinta parte estaráen los planes de alguien,pero lo que sí es cierto es que Santiago Segura necesita por lo menos cuatro ayudantes para manejar a todas esas fieras.

Así que, si os gustan este tipo de comedias, os adelanto que Padre no hay más que uno 4 se estrena el 17 de julio y que lo que va a recaudar se va a ir en libros de texto, bolígrafos y pagas semanales.

Houston, tenemos un problema. En Pasaporte Akihabara pudimos ver hace unos días Fly me to the moon, la nueva película de Sony Pictures en colaboración con Apple TV y que podréis disfrutar en cines a partir de hoy mismo, y no sabemos si vamos a poder expresar cuánto nos ha gustado.

Para empezar, la película cuenta con actores de la talla de Scarlett Johansson (Avengers, Lost in Translation) y Channing Tatum (Querido John, Magic Mike), y secundarios como Woody Harrelson (True Detective, Zombieland), Jim Rash (Community), Peter Jacobson (House M.D.) o Christian Clemenson (Boston Legal).

No podremos negar que esta historia ya nos suena mínimamente, y es que la carrera espacial que había comenzado en 1955 por ver si EEUU o Rusia llegaban antes al espacio tuvo su momento más trascendental en 1969, cuando los primeros lograron que el hombre pisara la luna por fin, dejando una bandera americana en su superficie. O eso dicen. Porque la leyenda que ha llegado hasta nuestros tiempos habla de un montaje paralelo con Stanley Kubrick a los mandos debido a la imposibilidad de que una cámara pudiera grabar en un ambiente tan hostil como el espacio.

La idea de coger un hecho histórico que se ha embebido durante años de esa leyenda y jugar con él a golpe de humor, añadiendo un toque de romance es algo que ha obsequiado a Fly me to the moon con un resultado estupendo, divertido, liviano y sin pretensión alguna. Digo esto último porque todos sabemos cómo es América y lo mucho que le gusta ensalzarse en sus películas. Sin embargo, en este caso, podemos contar incluso con cierta autocrítica que involucra a la guerra de Vietnam y al hecho de convertir todo en un producto vendible. Hasta las esperanzas existencialistas de cada ser humano por alcanzar la luna.

Así que la película nos presenta a una Frank Abagnale Jr. (sin lo de falsificar cheques) que se dedica a vender coches y que es pronto interceptada por un tipo del que ni siquiera sabemos su nombre (hasta esto era confidencial), sino únicamente su mote: Moe. A Woody Harrelson le da igual ser protagonista o secundario, porque sus personajes siempre se lo llevan todo. ¡Y mira que aquí tiene una competencia abrumadora con el personaje de Scarlett! Kelly Jones, que es nuestra Don Draper particular (con estrategias de marketing más sensacionalistas y menos profundas, todo hay que decirlo) interpretada por Johansson, pasa entonces de vender coches a vender… la luna. Para ello, tendrá que mudarse a Florida y tratar a diario con los científicos del complejo de cabo Kennedy, particularmente con su jefe, Cole Davis, interpretado por Tatum (sí, chicas, aquí empieza la historia de amor).

Jones y Davis se llevan fatal desde un comienzo y eso genera una relación de rivals to lovers entrañable que ni siquiera termina de quitarle protagonismo a la auténtica historia. Una historia reforzada, además, con un montaje dinámico y una protagonista femenina fuerte e inteligente que pasa por encima de casi cualquier hombre de una forma poco realista para esos años (que se lo digan a Midge Maisel). Pero pese a no centrarse a la hora de añadir el toque machista acorde a la época, sí que se han centrado en criticar otros puntos. Como el hecho de haber estado gastando millones en la carrera espacial teniendo a sus soldados muriendo en Vietnam o que hasta el espacio es la valla publicitaria perfecta. Por eso el primer reloj que fue a la luna resultó ser un Omega y por eso también se generó, en la película, esa idea primera de crear una grabación que poder usar de backup en el caso de que la auténtica no llegara a término, porque era necesario vender el triunfo del pueblo americano al propio pueblo americano para mantener la esperanza en el trabajo del gobierno en esos términos, recuperando así la fe perdida en las anteriores misiones fallidas de la NASA.

Después de visualizar Oppenheimer (Christopher Nolan, 2023), creo que ha quedado bastante claro que nos morimos por los lanzamientos y que nadie nos despega de la silla cuando estamos a punto de ver uno, ya sea de bombas atómicas o de cohetes espaciales, y eso es algo que la película aprovecha muy bien, dándole la importancia que tiene a la misión y al propio lanzamiento sobre la historia de amor, sin terminar de desmerecer esta.

Lo que no pasa por alto la película tampoco es el juego que pueden generar los personajes grises, pues mientras Cole es un Capitán América de los pies a la cabeza (y hasta él aprende algo de su partenaire), tanto Kelly como Moe juegan en un amplio espectro de grises que van, por otro lado, acordes a su profesión. No existe un villano abocado a hacer el mal o vengarse en el caso de que le lleven la contraria, sino un profesional con las cosas claras que sabe cuándo, siguiendo sus normas o no, una persona ha logrado un trabajo excepcional y lo celebra por ello.

Exactamente de la misma forma que nosotros deberíamos celebrar una película que promete en su tráiler exactamente lo mismo que nos termina dando (algo que hoy en día es más difícil de lo que parece). Por eso os dejamos a continuación un pequeño adelanto a ritmo de T. Rex, esperando que estéis preparados para pasar un buen rato y olvidaros de todo lo que no tenga que ver con el Apolo 11:

Un pequeño paso para el hombre, pero un gran paso para disfrutar de una estupenda sesión de cine.

¡Muy buenas, seguidores de Pasaporte Akihabara! Hoy os traigo la reseña de la tercera entrega de la franquicia ‘The Strangers’. Si bien el final de la anterior, que data de 2018, podría dar a entender que esta sería una secuela, nos encontramos ante un remake.

‘Strangers: Capítulo 1’ está dirigida por Renny Harlin, conocido por ‘El exorcista: El comienzo’ y ‘Hércules: el origen de la leyenda’. La película comienza con estadísticas sobre muertes violentas en EE.UU., intentando crear un sentimiento de terror, pero este primer impacto se desvanece rápidamente.

Madelaine Petsch y Froy Gutierrez interpretan a una pareja que reserva una cabaña en un bosque remoto. Celebran su quinto aniversario, pero todo se irá al traste cuando unos enmascarados irrumpan en la casa. La trama es sencilla, típico home invasion, pero así como la original del 2008 era más aterradora, esta nueva entrega se pierde en clichés típicos. ¿Asusta? Claro, te mantiene en tensión y algún susto te llevas, pero siendo la 3ª entrega de una saga debería buscar innovar algo más.

Hay esperanzas en que este remake mejore gracias a que van a ser 3 entregas, rodadas a la vez y que se espera que se estrenen en este mismo año. La escena postcredito ya apunta a un desarrollo mayor en la siguiente secuela.

En resumen, ‘Strangers: Capítulo 1’ no ofrece nada revolucionario, pero si eres fan del género, puede que encuentres algo de disfrute en este remake. ¿La recomendaría? Solo si eres un entusiasta de los home invasions y quieres ver cómo sigue la saga. Para abriros el gusanillo, os dejo el trailer. ¡Hasta la próxima!

Gary Johnson es un profesor de instituto al que le encanta observar pájaros. En Pasaporte Akihabara somos grandes ornitólogos y por eso nos hemos interesado por la vida del protagonista de Hit Man, la nueva película de Richard Linklater que celebramos haber podido ver gracias a Diamond Films y que se estrena el día 7 de junio en cines.

Como ya hemos podido adelantar, el protagonista de Hit Man, interpretado por el nuevo novio de América, Glen Powell, se llama Gary Johnson. Pero también responde al nombre del manitas Tanner, del chofer privado Nico, del taxidermista Dean o del asesino a sueldo Ron. Las muchas identidades que Johnson se coloca en su búsqueda de poder ser de ayuda a la policía como soplón y así lograr escapar de su monótona vida han sido un reclamo que se ha utilizado como publicidad para la película de una forma triunfal y que, dentro de la pantalla, sin embargo, han mutado en algo terriblemente desaprovechado. Sí, de acuerdo, hemos visto Hit Man, no Múltiple, pero uno siempre espera que aquello que ha hecho tanta gracia en la insistente publicidad no sea solo un señuelo para llevarnos al cine (que ilusos, ¿verdad?). Aunque si de algo peca esta película es de unos métodos publicitarios mucho más sobresalientes que el propio largometraje y que, seguramente, sin todas esas reseñas que la tachan de «obra maestra» en periódicos y revistas de cine, brillaría más por sí sola, en lugar de opacarse a causa de las expectativas exacerbadas que se generan en un momento en el que las salas de cine gritan «socorro». ¿Se les puede incriminar tal desesperación cuando Furiosa, Civil War y El planeta de los simios, que eran de las apuestas más taquilleras de este año, han tenido tan poco público? Culpas aparte a los varios motivos por los que las audiencias caen en picado (un tema que requeriría de un tiempo que no tenemos), uno usa las armas que posee, supongo. Eso bien lo sabe Ron, nuestro asesino a sueldo.

Expectativas a un lado, Hit Man es una película que queda un poco en tierra de nadie. No tiene suficiente acción como para considerarse dentro de ese género, pero tampoco cumple del todo como película romántica, entre otras cosas, porque desaprovecha varias ocasiones para potenciar enredos propios de este tipo de largometrajes y que, como parte de una fórmula, suelen funcionar para generar situaciones más dinámicas y alocadas. Reconozco que no soy la mayor fan del género, pero siguiendo la estela de Powell, Cualquiera menos tú parecía tener bastante más claro lo que tenía entre manos. Sin embargo, como sabemos, hay defectos que pueden ser también vistos como virtudes y, precisamente, no venderse a clichés más obvios puede jugar tanto en el equipo perdedor como en el ganador.

Linklater, al igual que Powell (que es también guionista), crea una estructura por la que Johnson te va guiando como guía a sus alumnos sobre lo que implica el ello, el yo y el superyó, aprendiendo su protagonista por el camino la lección propia que él imparte sobre ser uno mismo y disfrutar la vida, encontrando las proporciones idóneas entre lo que uno es y lo que quiere ser. Y es que, ¿quién no querría ser un falso asesino a sueldo para salir con Adria Arjona?

Así que, si lo que necesitáis es una película desenfadada o que Glen Powell os de una clase sobre amor propio (sobre cualquier tipo de amor, ya puestos), no dejéis de echarle un vistazo al tráiler de Hit Man para contarnos, este 7 de junio, si sois más de Gary o de Ron.

Michael Light lleva diecinueve años corriendo y esta es su última oportunidad para ganar. Por eso, en Pasaporte Akihabara, queremos dedicarle unas líneas al último estreno al que hemos sido invitados por Diamond Films: Arthur, the King (que en España ha sido traducida únicamente como Arthur).

Los fans de Siempre a tu lado o Liberad a Willy seguro que ya saben de qué va esto. La historia del sueco Mikael Lindnord, capitán del equipo de atletismo de aventura que, en uno de sus campeonatos por la jungla ecuatoriana, se encuentra a un perro callejero, logrando seguir al deportista por un recorrido peligroso que perfectamente podría haber acabado con su vida.

Mark Wahlberg, que no tiene mucho de sueco, encabeza el elenco de Arthur como una versión americanizada (¿a alguien le extraña?) de Lindnord con su propia crisis de identidad. La película, en ese sentido, aborda esa obsesión insana que persigue en ocasiones a los hombres, desgañitándose por intentar demostrarse lo que son so pena de sentirse de por vida unos fracasados. Da igual que tengan una familia, que sean medio famosos o que su casa tenga chimenea en la habitación principal.

Así es cómo Michael Light se embarca en un viaje que termina siendo de redescubrimiento. Seguro de que determinadas personas como su compañero Leo Sun (Simu Liu) corren por los motivos equivocados, es palpable desde un comienzo que los motivos que mueven a nuestro protagonista no son tampoco los correctos. Y es palpable esto como lo es todo en la película, por desgracia. Desde las lecciones que se van a intentar apostillar hasta lo que te depara la siguiente escena, una tras otra. Porque, ¿para qué intentar dejar entrever los mensajes o las comparativas (dicen que los perros se parecen a sus dueños y sino fijáos en la barba de Wahlberg o en la herida de Arthur) si podemos explicarlas, desconfiando de la capacidad de síntesis de las personas? Reconozco que pensé que al menos me darían eso, pero terminé descubriendo que no. Creo que el modelo hollywoodiense no lo contempla en sus tablillas de arcilla con los diez mandamientos sobre cómo hacer una película.

Aunque hay un concepto que se plasma muy bien en este largometraje y es la capacidad de lograr algo cuando tus redes sociales echan humo. En el caso de Michael, fueron ellas las que consiguieron que su vida como deportista profesional se esfumara (obviando sus actos), también el reclamo que sus patrocinadores le piden, presencia y publicidad en ellas, y lo que finalmente ayuda a que la historia de Arthur (que es el perro, por si hace falta explicarlo también), haciéndose viral, ablande a tantas personas y acapare tanta atención, logrando así solventar mágicamente determinados trámites legales. Es imposible negar hoy en día que, desde hace tiempo, para algunas cosas, importa más el número de followers que el curriculum vitae y Michael no se libra de sufrir semejante cambio en el paradigma social.

Pero esto no se queda aquí, sino que nos lleva al siguiente tema candente dentro de la película que no da señales de humo en esta porque nadie le dedica ni una sola frase, aunque mi cabeza sí ardiera en llamas mientras la veía. Y es ese juego de ricos que atraviesan setecientos kilómetros escalando en bici o en kayak mientras lo hacen por zonas aledañas tan pobres que no tienen ni para un techo. ¿Soy la única que aprecia un patrón de cansancio en este tipo de narraciones? Succession, Saltburn, Maxton Hall, la MET gala… historias de ricos que cada vez nos quedan más y más lejos, haciéndonos pesado intentar empatizar con ellos. Aunque, en ese sentido, la presencia de Arthur ya nos arranca la suficiente lástima como para que nuestro corazón y nuestro interés se mantenga fijo en sus aventuras, por más que colinden con las de los niños ricos. ¡Ah, cuánto saben esas tablillas sobre lograr el favor del público!

Finalmente, intentando surfear las llamas y volviendo de mi mundo de fantasía para recordar que esta es una película dirigida a toda la familia (ubícate de una vez y deja de buscarle tres pies al perro), decir que si os gustan las historias basadas en hechos reales con animales, acción y que no duran tres horas interminables, siempre podréis darle una oportunidad a Arthur a partir del 31 de mayo, pues busca llamar nuestra atención presentándose con un tráiler que es todo adrenalina: