Categoría: Reseña de cine

“Lilo, Mi Amigo el Cocodrilo”, una película para ver en familia

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Un día más hemos podido asistir a la proyección de una de las películas de Sony Pictures, para ver la película “Lilo, Mi Amigo el Cocodrilo” en la que participa Bardem. Aquí la reseña sin más dilación.

“Lilo Mi Amigo el Cocodrilo” es una película dirigida por Josh Gordon y Will Speck, con un guión de William Davies que está basado en el libro de Bernard Waber. La música corre a cargo de Benj Pasek, Justin Paul y Matthew Margeson y la dirección de fotografía es de Javier Aguirresarobe. El reparto de la peli es el siguiente: Javier Bardem, Constance Wu, Winslow Fegley, Scoot McNairy, Brett Gelman y la voz de Shawn Mendes encabezando los títulos. Las productoras son Hutch Parker Entertainment, Sony Pictures Entertainment, Speck & Gordon y la distribuidora es Columbia Pictures.

La película dura 106 min y está dentro de la categoría musical, fantástico, infantil y comedia (cine familiar).

La sinopsis es la siguiente. La familia Primm se muda a Nueva York y su hijo adolescente Josh quiere adaptarse a ella. Un día escucha un extraño sonido y descubre que hay un cocodrilo allí, que para su sorpresa no sabe hablar pero sí cantar y bailar. Se hacen amigos y poco a poco el resto de familia le incorpora como un miembro más. Un día aparece el dueño de la casa y mentor de Lilo, Héctor P. Valenti para intentar sacar un espectáculo con Lilo, pero este tiene miedo escénico. Héctor hará ver al mundo que la familia puede surgir en los lugares menos esperados. Pero se encontrarán con numerosos obstáculos en su camino que no harán que la situación siga su marcha como se esperaba.

Comenzamos con los aspectos técnicos. La peli empieza con un plano en movimiento de seguimiento y se verán otros muchos a lo largo del filme, así como planos generales y medios, aunque hay mucha diversidad de tipos de plano. También hay varios traveling out. La angulación es principalmente neutra pero hay planos contrapicados, picados y cenitales. Respecto a la fotografía, muy iluminada con tonos alegres y luminosos, gamas de color cálidas en su mayoría. La iluminación es principalmente artificial. La música al ser una película musical juega un papel muy importante en el desarrollo de la trama, canciones muy pegadizas y animadas, cantadas casi todas por Lilo (Shawn Mendes). El maquillaje es natural, no hay caracterización como tal dado que el protagonista está hecho por CGI. El CGI muy conseguido, que da un aspecto adorable desde el principio a nuestro amigo reptil. Vestuario cotidiano y de espectáculo, algo más esperpéntico en el personaje de Héctor. El guión cumple su función, es una trama lineal y comprensible.

Continuamos con la crítica. Es un filme bastante entretenido, las canciones dan muy buen rollo y nos hacen ver cómo con música podemos comunicarnos y expresar los sentimientos, sin necesidad de hablar. Es una trama predecible, es una peli infantil basada en un cuento por lo que con el título sabemos lo que vamos a ver en la pantalla. Si os gustan los musicales e historias de mascotas y amistad, sin duda os va a gustar mucho. Si por lo contrario sois más de tramas complejas y dramáticas esta desde luego no es vuestra película. La relaciones se marcan muy rápido, como suele pasar en las películas de cine familiar, pero no es nada nuevo en este panorama. Podemos ver una actuación de Javier Bardem muy diferente a lo que estamos acostumbrados a ver, un personaje muy cómico y optimista con la vida, que además también canta y baila. No se hace extensa en absoluto. Eso sí, es una película para ver principalmente en familia. Los créditos son con el fondo en blanco y dibujos y las letras en negro, algo así diferente.

Como terminación, viendo el título se sabe de lo que va, si os llama la atención la recomiendo, pero puede tener toques algo infantiles debido a su categoría. A mí me ha gustado y he salido con buen sabor de boca.

Aquí el tráiler y póster promocional.

La playlist, una miniserie sobre la historia de un sueño.

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El empresario sueco Daniel Ek y su socio Martin Lorentzon revolucionaron la industria musical al lanzar una plataforma de streaming gratuita y legal: Spotify.

La miniserie estrenada por Netflix la semana pasada, nos cuenta de forma “ficticia” la historia de la creación de Spotify, en un mundo donde la gran mayoría de la gente se descarga ilegalmente música desde sus ordenadores sin parar.

La Playlist comienza contándonos la historia desde el punto de vista de uno de los fundadores de la plataforma sueca de música en streaming: Daniel Elk. Tiene un sueño, el de revolucionar el mundo digital con su idea y seguir adelante cueste lo que cueste.

Cada episodio de los seis que tiene la miniserie está contado desde un punto de vista diferente, mostrándonos en cada uno el punto de vista de los programadores, los creadores de contenido, la industria músical que sigue todavía anclada en el pasado sin pensar que la era digital va a cambiarles la forma de trabajar aunque ellos no lo deseen, porque es algo que no pueden controlar. También conocemos la historia del cofundador o la abogada, encargada de lidiar con las discográficas.

Vemos situaciones complicadas, en las que deben decidir que hacer, que decisiones tomar para tener opciones y que su sueño se cumpla. Que puedan enseñar al mundo que la opción de la música gratis con anuncios con los que pagan a los artistas y demás personas del mundo de la música es sostenible. Aunque no todos lo ven igual. Pero también podemos ver, como es perseguir un sueño y hacer todo lo que consideras mejor para que se haga realidad. Como seguir adelante cuando las cosas están tensas y no consigues la financiación que te hace falta y te toca cambiar de forma de pensar y enfrentarte a la realidad, que los creadores no están nada contentos con su negocio ni con lo que reciben por su trabajo, sin el que Spotify no existiría y que es imprescindible.

Al final nos encontramos con un escenario en el que nosotros decidimos a quién creer, y que de un momento a otro nos dejara sorprendidos. La historia no es densa, no tiene pausas molestas ni forzadas, cada personaje nos enseña lo que quiere y todo lo que lucha por su trabajo y su forma de ver el mundo de la música.

La miniserie está inspirada en el libro Spotify Untold y dirigida por Per-Olav Sørensen y protagonizada por Edvin Endre (Blinded), Christian Hillborg (Games people play), Gizem Erdogan (Amor y anarquía), Ulf Stenberg (Beartown), y la cantante Janice Kavander que nos regala unas canciones increíbles, entre otros.

Sin duda una historia increíble llena de altos y bajos, que nos muestra el interior de la industria musical a la vez que vemos las ganas de realizar un sueño y perseguirlo hasta conseguirlo.

“El Cuarto Pasajero”, el viaje con terceros en discordia

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Hoy pudimos asistir de nuevo a un pase de prensa de Sony, para ver la nueva película de Álex de la Iglesia “El Cuarto Pasajero”. Sin más demora os dejamos aquí la reseña.

“El Cuarto Pasajero” es una película española dirigida por Álex de la Iglesia, en la que también participa como coguionista (además de Jorge Guerricaechevarría) y productor. Sigue la serie de las películas de la productora Pokeepsie Films y de las productoras Telecinco Cinema, Mediaset España y Movistar Plus+. La música está a cargo de Roque Baños como es usual y la fotografía corre a cargo de Rita Noriega. La distribuidora es Sony Pictures Entertaintment. Cuenta con un gran reparto: Alberto San Juan, Blanca Suárez, Ernesto Alterio, Rubén Cortada, Carlos Areces, Jaime Ordónez, Carolo Ruiz, María Jesús Hoyos y Josep María Riera entre otros.

La película dura 99 min y está en la categoría de road movie y comedia. Una duración muy asequible.

La sinopsis es la siguiente: Julián es un divorciado de 50 años que se encarga de llevar y traer a personas en el viaje Bilbao / Madrid en su coche, lleva seis meses que tiene como compañera de viaje a una chica de 30 años, Lorena, de la que está enamorado y a quien se quiere declarar. Pero todo se tuerce cuando recogen al resto de pasajeros del viaje, un inquietante e intenso pasajero y un chico que reserva el viaje con el perfil de un familiar suyo. La trama se desarrolla a lo largo de la peli, en cómo interactúan y se van complicando las cosas según avanza dicho viaje. La historia tiene algún giro de guión bastante interesante.

Vamos con los aspectos técnicos. Se utiliza mucho el primer plano y plano medio cerrado, provocando esa sensación angosta de ir en un coche con varias personas, así como los planos de angulaciones neutras y contrapicados. También juegan mucho con los reflejos en espejos. Los planos son tanto estáticos como en movimiento. La fotografía está bien diseñada, simulando la luz natural del día y con colores tirando a grisáceos y oscuros. En cuanto a la música, muy bien seleccionada ya que te hace meterte en la atmósfera y también utilizan alguna canción bastante conocida de hace unos años. El maquillaje y caracterización bien conseguidos, aunque en esta ocasión no es necesario tanto como en otras películas del mismo director, sobre todo en el aspecto de caracterización. Las actuaciones son muy buenas y creíbles, se ven las evoluciones de forma de ser de personajes según avanza el filme, tener un reparto bien escogido ayuda muchísimo a la película.

Vamos ahora con la crítica en sí. Es una película muy entretenida, que juega perfectamente entre los tonos de drama y comedia. No se hace nada pesada y mantiene la atención constante. El ritmo en sí de la película está bastante bien sincronizado, un guión trabajado y que no deja tramas abiertas. Hay escena post créditos que es necesaria ver para acabar de comprender el desenlace de la película. Los personajes tienen mucha personalidad, cada uno es completamente diferente y se ve claramente en las actuaciones. Pese a ser una película de Álex de la Iglesia, en las que suele predominar el carácter sangriento y tétrico, así como escenas violentas, esta película sale un poco de los esquemas. Es cierto que hay ciertos tonos de violencia, pero no llegan a ser demasiado fuertes, por lo que es una película prácticamente para todos las edades (aunque la recomendación es para más de 16 años).

Como conclusión final, es una película que merece la pena ver, se pasa un rato bastante entretenido y bueno, con toques humorísticos y que no se hace pesada en ningún momento. Muy recomendable para ir a verla al cine con amigos/as sobretodo.

Aquí el tráiler y portada por si os interesa verla, estamos seguros de que así será 😉

SMILE: LA SONRISA CON LA QUE SOÑARÁS ESTA NOCHE.

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Es la película de terror que está arrasando actualmente en los cines y que viene para quedarse en nuestra retina una buena temporada. Dirigida por Parker Finn (conocido por los cortometrajes “The Hidebehind” y “Laura hasn’t slept”, pero debutando ahora con este largometraje y como ópera prima). Esta cinta de terror/thriller psicológico llegó a nuestras salas de cine desde el pasado viernes, 30 de septiembre. Así que, si aún no habéis ido a verla, os recomiendo que vayáis a descubrirla. Y, si aún no estás convencido del todo, quédate a leer más sobre ella. ¡Comencemos!

Si bien, no es la película de terror de nuestra vida (o sí, en la variedad está el gusto), sí es una película que sabe perfectamente qué quiere, qué objetivo tiene y cómo contarlo y llegar a ello. Cuenta con una duración de 115 minutos, producida por Temple Hill y Paramount Players, y distribuida por Paramount Pictures. Fotografía de Charlie Sarroff y BSO de Cristobal Tapia de Veer (“Black mirror”, “Utopia”). Ya os voy diciendo que el sonido de esta película es abrumante, cuanto menos. Es el típico sonido que te entra por los oídos y retumba en tu mente durante varios minutos. Sí, de esos que si te acuerdas a solas de noche en tu cama, te da muy mal rollo.

Con un presupuesto de 17 millones de dólares consiguen regalarnos esta buenísima cinta que, no solo entretiene al espectador, sino que lo deja pegado al asiento aguantando a ratos la respiración incluso. Está repleta de recursos y clichés que ya hemos visto en muchas otras del género por lo que, a priori, tampoco nos enseña nada que no hayamos visto ya. De hecho, conseguí ver claras referencias a “It follows” , “Verdad o reto” o “The ring” entre otras. 

Protagonizada por Sosie Bacon (hija de Kevin Bacon y Kyra Sedgwick) y contando también en el cast con: Jessie T.Usher, (“The Boys”), Kyle Gallner (“Scream“, 2022) o Kal Penn (“House MD”), entre otras caras que reconoceremos más que de sobra.

Sinopsis: La Dr. Rose Cotter (Sosie Bacon), que trabaja como psiquiatra en una institución, presencia un evento extraño y traumático en consulta con una paciente. A raíz de esto, comienza a experimentar diversos acontecimientos terroríficos que se apoderan de su bienestar y de su día a día. Para poder sobrevivir a ello, tendrá que echar vista atrás a su pasado, a otras circunstancias traumáticas que vivió en su infancia y enfrentarse a su propia mente.

Buenas interpretaciones que hacen que sufras con ellos los acontecimientos que van sucediendo con pura adrenalina. Pero no solo los actores te harán pasar un mal rato, puesto que el equipo detrás de este largometraje ha sabido usar bien sus cartas: el sonido, como ya he dicho antes, es totalmente aterrador. Ya sólo con el uso del mismo en los créditos iniciales (cuidado las personas fotosensibles a la presentación del título) y finales son suficientes para crearte ese malestar o mal rollo que te dura un buen rato. Y luego, por otra parte, juega con ejes de cámara en planos que hacen que te sientas en escena, sufriendo la terrible tensión del momento.

La fotografía de esta película me parece muy interesante, curiosa, con colores que acompañan a la estética de la película. El uso de planos inclinados, boca abajo o incluso aquellos que hacen darte cuenta de que, al fondo de la habitación, se esconde algo entre las sombras que te sonríe. También utiliza muchos planos mantenidos que animan al momento a ser más tenso si cabe aún. En resumidas cuentas: estéticamente cuidada, con colores acordes, bonita visualmente de ver aunque creáis que no.

No es novedosa en recursos, como ya he dicho anteriormente, y los muchos jumpscares con los que cuenta son en su mayoría predecibles (y más aún si estás acostumbrado a ver cine de terror, ya que te das cuenta de que te anticipan a los sustos), pero que son curiosa y especialmente efectivos. Aún así, vi a bastante gente “pegar botes” en sus butacas, por lo que si te gusta pasar un ratejo de buenos sustos y momentos tensos, agárrate bien al asiento con esta película.

A mí personalmente me parece la mezcla perfecta de terror sobrenatural y salud mental. Una buena cinta de terror actual que no pretende destacar por encima de nada, es lo que la hace especial o única. Muy entretenida en general, no decae en ningún momento. Os la recomiendo, pero sobre todo, os recomiendo vivir la experiencia en una sala de cine.

La chica que lo tenía todo, una película sobre el pasado.

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Reseña La chica que lo tenía todo

Una mujer de Nueva York con gran éxito profesional y a punto de casarse con el hombre de sus sueños ve de repente cómo su vida perfecta se tambalea cuando tiene que enfrentarse a las sospechas y al trauma de recordar un trágico evento cuando estaba en el instituto.

La chica que lo tenía todo es una cinta de suspense en la que conocemos a la protagonista Ani, una chica que tiene un buen trabajo, va a casarse con el hombre de sus sueños y tiene una vida de lujos en un gran barrio. Es redactora en una famosa revista femenina en la que se lleva bien con sus compañeras y con su jefa, una situación que le encanta y que hace que se sienta mejor consigo misma.

Comenzamos viendo cómo trabaja, qué tipo de artículos escribe y cómo prepara su boda con uno de los chicos más ricos de la ciudad y a la vez amable y cariñoso con ella. Y a pesar de conocer su pasado, sigue estando enamorado de ella. Sin preguntarse nada. Ani, diminutivo de Tiffany, tiene cada día a pesar de su brillante vida, recuerdos constantes de su vida adolescente. Y de todos los problemas que vivió, una madre que no siempre la apoyaba y a la que le importaba demasiado el qué dirán. Un novio que miente y abusa de ella y unos amigos poco deseables. Unos traumas que la persiguen siempre, sin importar lo que haga o lo que ascienda en la escala social o en su trabajo.

Cuando descubre que quieren entrevistarla para rodar un documental y conocer más acerca del tiroteo que asoló a su instituto y del que salió ilesa físicamente, se plantea si de verdad hablar de ello y contar su versión es una buena idea. Ya que ello conlleva sacar a la luz los abusos que sufrió. Los recuerdos se mezclan con su vida cotidiana cada vez más mientras avanza la película, dejándonos ver como era su vida entonces y como era ella. Y contándonos de primera mano cómo fue sufrir los abusos verbales y las violaciones que vivió de adolescente.

El ritmo de la cinta no resulta lento ni pesado, si no que es detallado y ágil. En la historia se mezclan los miedos, las injusticias, el feminismo, el si decir la verdad es lo que neccesitas, el problema de la armas en estados unidos y la búsqueda de perdón de los protagonistas. Ani, se choca frente al machismo que hoy en día sigue existiendo y al egoísmo de la sociedad cuando se trata de sacar a la luz la violencia que ha sufrido de adolescente y que merece ser contada.

La chica que lo tenía todo está basada en la novela Luckiest girl alive de Jessica Knoll, quién es la encargada de escribir el guion de la película. Y en la que cuenta una historia real que le ocurrió a ella. La película se centra tanto en la protagonista como en diversos personajes secundarios, muy importantes para la trama. Que a su vez dan su versión de lo que Ani debería hacer, aunque ella no la pida.

Es una cinta dura, que mezcla momentos divertidos pero que sin duda es necesaria. Que cuenta la historia de la protagonista con respecto y siempre dejando claro lo que ella quiere. Lo que busca.

La chica que lo tenía todo es un grito de ayuda en medio de un montón de gente que te dice lo que deberías hacer, que es mejor dejarlo pasar y olvidarlo. Pero Ani, no es capaz de olvidar. Por mucho que lo intente. Cuando decide lo que va a hacer, las cosas no salen como ella pensaba y su vida se tambalea.

La película esta protagonizada por Mila Kunis (Cuatro días más), Finn Wittrock (Ratched), Jennifer Beals (El libro de Boba Fett), Justine Lupe (Sucession) y Connie Britton (El escándalo) entre otros que nos regalan unas interpretaciones que se ajustan a sus papeles haciendo que te adentres del todo en la trama. Sin duda es una adaptación que te hará pensar y no te dejará indiferente.

La película está disponible para ver en Netflix.

De la realidad a la pantalla: “1987: When the day comes”

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Si hay una película sobre un acontecimiento histórico en Corea del Sur que siempre recomiendo, esa es “1987: when the day comes” (2017). 

Aunque se conozca (en línea general) poco de esta magnífica cinta, me resulta tremendamente satisfactorio saber que ganó por aquella época diversos premios. Entre ellos destaco: Mejor director en CinemAsia Film Festival, Mejor película y Mejor director en la 9th KOFRA Film Awards o varios premios en la 54th Baeksang Arts Awards, entre otros. 

No es para menos, ya que se trata de una de las películas sobre sucesos reales que tuvieron lugar en Corea que más estremecen al verla. Poniéndonos en situación/contexto histórico y entrando en la sinopsis de la película: En 1987, Corea del Sur está bajo el mandato de Chun Doo-Hwan mediante un régimen militar opresivo que implantó una ley marcial. Dejó de esta forma a la prensa y población general sin libertad de expresión. Cuando un estudiante (Park Jong-Cheol) muere torturado y asesinado, comienzan una serie de investigaciones por las que se intenta sacar a la luz la verdad y buscar hacer justicia. Los personajes lo van a tener difícil ya que, desde la policía hasta médicos, estaban chantajeados y “comprados” por el sistema. Pero todos sabemos cómo acaba, ¿no?

En esta película vemos la crudeza de un hecho real que inició posteriormente uno de los movimientos más grandes del pueblo surcoreano y que muestra su lucha hasta conseguir que se aprobaran las primeras elecciones democráticas en mucho tiempo. Lo que creo que hace especial a este largometraje tan delicado como crudo, es que nos va mostrando poco a poco unas subtramas de varios personajes que finalmente convergen en un final que te deja totalmente aplastado pero esperanzado, llorando de emoción como un crío.

La película se estrenó el 13 de Diciembre de 2017 en el teatro CGV YongSan iPark Mall de Seúl. Asistieron muchas personas que realmente vivieron los hechos narrados, hasta el mismo hermano de Park Jong-Cheol. El 27 de Diciembre del mismo año, la película vio la luz en cines, proyectándose en más de 1200 salas y obtuvo una media de más de 7’2 millones de espectadores solo en Corea del Sur. Cuenta con una recaudación de más de 53 millones de dólares. Dirigida por Jang Joon-Hwan, su duración es de 129 minutos y se puede ver actualmente en la plataforma de Filmin.

Rodada en 1.85:1, a color, y su productora es Woojeung Film. La BSO está compuesta por Kim Tae-Seong en su mayor parte, pero también cuenta con la colaboración de Dong-Won Gang para alguna pieza.

Cuente con un cast magníficamente elegido: Kim Tae-Ri, Ha Jung-Woo (junto a Kim Tae-Ri, participaron en “La doncella” de Park Chan-Wook), Kim Yoon-Seok (“El gran golpe”, “The chaser”), Yoo Hae-Jin (“A taxi driver”) y Gang Dong-Won (al que esperamos ver próximamente en “Broker”, o al que ya hemos podido ver en otras películas como “Península” o en “Reunión secreta” junto a Song Kang-Ho), entre otros. 

*Para conocer más sobre el Levantamiento de Junio/La masacre de Gwangju y todos los sucesos ocurridos entre 1980 y 1987 en Corea del Sur, recomiendo mucho ver esta película y además “A taxi driver” (de la que hablaré próximamente) y “The Attorney/El abogado”, ambas protagonizadas por Song Kang-Ho.

Para finalizar, diré que personalmente a mí me parece una de las mejores películas coreanas que he visto hasta la fecha. Retrata perfectamente los sucesos ocurridos en 1987, las actuaciones están maravillosas. Creo que todas estas cintas basadas en hechos históricos reales, nos acercan a la que fue una de las realidades más crueles vividas en Corea del Sur. Recuerdo que la primera vez que la vi, no estaba muy puesta en historia de Corea y reconozco que se puede hacer un poco liosa entre tanto personaje… pero os aseguro y prometo una cosa, no deja indiferente a nadie. Una vez entendido el contexto, ella misma te coge de la mano y te guía en un viaje donde te emocionas, sufres y hasta te reconfortas en cierto modo. Un must con todas las letras. 

“La Chica Salvaje”, la película basada en el libro de Delia Owens

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Una vez más, el equipo de Pasaporte Akihabara ha tenido el placer de asistir al pase de prensa de la nueva película de Sony Pictures. Aquí os dejamos la reseña:

La Chica Salvaje es una película dirigida por Olivia Newman, con guión de Lucy Alibar basado en la novela del mismo nombre de Delia Owens y está producida por 3000 Pictures y Hello Sunshine. Cuenta con la distribución de Sony Pictures Entertaintment y la fotografía está diseñada por Polly Morgan. La música corre a cargo de Mychael Danna. El reparto cuenta con Daisy Edgar-Jones, Garret Dillahunt, David Strathairn, Harris Dickinson ,Eric Ladin, Taylor John Smith, Michael Hyatt, Ahna O´Reilly, Luke David Blumm, Sterling Macer Jr, Blue Clark, Jojo Regina y Jayson Warner Smith entre otros/as.

La película tiene una duración de 126 minutos y está dentro de la categoría de intriga, drama sureño, romance y thriller.

La sinopsis es esta: una chica se ve obligada a vivir sola en la marisma desde muy pequeña debido a que tanto como sus hermanos, como su padre y su madre se van de casa y ella es la única que queda. Son flashback donde vemos su vida desde que la acusan de asesinar a un chico que fue su expareja. Ella rememora todo mientras habla con su abogado y mientras se encuentra en el propio juicio. Podemos ver su vida gracias a estos recuerdos y armando poco a poco su defensa en dicho juicio. La película está llena de drama, amores y soledad.

En los aspectos técnicos, utilizan mucho los planos generales y primeros planos y planos detalle con desenfoque, así como diversidad de angulaciones, desde neutro hasta planos nadir y cenitales con dron. Los planos mayoritariamente son en movimiento y en exteriores. La fotografía está muy bien cuidada, es lo más destacable del filme de hecho, con iluminaciones y planos bien pensados y medidos, junto con reflejos y enfoques y desenfoques muy estéticos. El color de los planos también está muy cuidado, pasando desde tonos pasteles en situaciones bonitas y románticas, hasta tonos oscuros y fríos en situaciones de ahogo e intriga. Se nota que le han dado un tratamiento suave y refinado y que es una película que está dirigida por una mujer. Y no, no es un comentario que quiero que traiga polémica, sencillamente se nota que le han puesto una sensibilidad a la imagen que en muchas otras pelis del estilo no existe. Respecto a la música, bastante bien, concuerda con el ambiente en sí. La ropa utilizada es de los años 50/60 donde se desarrolla la peli. Las actuaciones están muy conseguidas, trabajaron bien los papeles.

Ahora mi opinión respecto a la peli. En sí, está entretenida, es un guión que te descubre cosas nuevas de a poco y que hace que te vayas formando un mapa mental con todo. Visualmente es lo que más destacaría. Creo que tiene una imagen muy bien cuidada, trabajada y pensada, hay diversidad de planos y estéticamente es muy bonita de ver. Los momentos bonitos no se aceleran y tampoco se hacen pesados. La historia en sí es un drama sureño mezclado por momentos de amor, cierto es que quizás es algo extensa pero en mi opinión no se hace demasiado pesada. Tiene un ritmo lento que le viene bien a la historia en sí. No esperéis ver momentos de acción y demasiado intensos de ritmo, eso sí. No leí el libro por lo que no puedo saber si es demasiado fiel o no a la obra original.

Como resumen y colofón, es una película que si te gustan los dramas sureños y judiciales y no te importa que haya momentos de romanticismo algo empalagosos, puede parecerte interesante y gustarte. A mí no me desagradó en absoluto. Así que si tenéis ganas de verla, os animo vayáis al cine.

Aquí el tráiler y cartel oficiales.

La consagración de la primavera, una película necesaria con humor.

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Laura acaba de llegar a Madrid para estudiar en la Universidad. Una noche, por casualidad, conoce a David, un chico con parálisis cerebral. La relación con él y con su madre proporcionará a Laura el impulso necesario para superar complejos e inseguridades y encarar con confianza una nueva etapa. Una historia sobre ese momento vital en el que todo es posible y sobre cómo los encuentros más inesperados pueden ser determinantes para tu vida.

La consagración de la primavera nos habla de una realidad que a menudo tiene poca o nada de visibilidad. La película comienza presentándonos a Laura, la protagonista, que viene de un hogar muy tradicional en un pueblito de Mallorca y que el salto a la gran ciudad es muy intimidante y complicado, haciendo que se centre mucho en sus estudios y en ella misma. Pasa mucho tiempo sola y cuando esta con sus amigas le cuesta mantener conversaciones, su inseguridad es parte importante de la trama.

Cuando conoce a David, un chico con parálisis cerebral y a su madre su vida cambia por completo, ve las cosas de otra forma y empieza a abrirse poco a poco. La cinta entonces nos cuenta la vida da David, como le cuesta hacer las cosas y vemos en pantalla como es cada momento de su vida, a pesar de esto es un chico al que le gusta reír y que lleva un blog para dar visibilidad a su vida y a los problemas sexuales a los que se enfrentan los que tienen su discapacidad.

La trama nos adentra de lleno en estos problemas sexuales que tiene David, la relación con la madre de David también la ayudara a ver la vida de otra forma y su vida cambiara también gracias a todos estos diálogos que ayudan a Laura a abrirse. Para ella el tema sexual es algo que la hace sentir muy insegura y le cuesta estar con los chicos y tener relaciones.

El ritmo de la película en ocasiones resulta algo lento, pero los temas que trata y como lo hace siempre desde el respeto mezclándolos con humor y las inseguridades y el miedo de los personajes hace que la cinta sea necesaria y que esté bien construida. Cada personaje es único, los actores que les dan vida se han documentado para ello y lo hacen de manera magistral.

El reparto de La consagración de la primavera está encabezado por Valeria Sorolla, que debuta como actriz en la gran pantalla de la mano del director Francisco Franco, Emma Suárez (Intimidad) y Tello Irureta (Robarte una noche).

La película compite en la sección oficial del festival de cine de San Sebastián, sin duda una cinta necesaria y muy recomendada.

La emperatriz rebelde, otra mirada a la vida de Sissi.

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

En la Navidad de 1877, Sissi Emperatriz celebra su 40 cumpleaños y no hay atisbo de felicidad a su alrededor: es juzgada constantemente por sus propios hijos y vive supeditada a su belleza en decadencia por el paso del tiempo. Asfixiada por las normas, y con un apetito voraz de saber y de vida, Isabel de Austria se rebela cada vez más contra las imposiciones, en búsqueda de la emoción de la juventud.

La emperatriz rebelde, película dirigida por Marie Kreutzer, nos cuenta la vida de la Emperatriz Isabel de Austria, más conocida como Sisi Emperatriz, desde otra perspectiva. Nos adentra en su vida privada, en cómo vivía dentro del palacio y como era su relación con su marido y sus hijos. La historia empieza mostrándonos su vida en el palacio donde reside con su familia y vemos diferentes planos de ella, sola y con los miembros del servicio o con su hija pequeña o su marido. Nos presenta una realidad que no es tan conocida.

Nos habla de la salud mental de la Emperatriz, como sufre la presión de su entorno y de su lugar en la corte. De sus miedos y de las ganas de ser libre y vivir tranquila, a la vez vemos escenas en un manicomio que Isabel de Austria visita con relativa regularidad porque comenta que le gusta estar ahí. Habla con los internos y escucha y observa lo que tiene alrededor, tomando cuenta de cómo está la situación y ofreciendo ideas y ayudas.

Es una historia complicada, arriesgada y sobre todo realista. Vemos un mundo que se oculta en general tras paredes, la salud mental de la gente y como era llevada alrededor de 1878. LA cinta nos muestra el machismo que existía y la forma de pensar de algunas personas frente a los problemas mentales de las mujeres en concreto.

Sin duda es una película arriesgada pero necesaria, en la que vemos como incluso sus propios hijos le dicen que la avergüenzan. Cuando ella solo desea lo mejor y les colma de educación y quizás demasiado cariño. El ritmo de la película es quizá algo lenta, con escenas sin diálogos y en ocasiones planos preciosos de la naturaleza y los animales. Dejando que vayamos aceptando poco a poco lo que nos cuenta, asumiendo como eran la vida de Isabel Emperatriz de Austria y como ella intentaba soltarse de esa presión que le daba su cargo y que la agobiaba demasiado.

La emperatriz rebelde o en francés Corsage, está protagonizada por Vicky Krieps (El hilo invisible), Florian Teichtmeister (Old Money), Colin Morgan (Merlin), Aaron Friesz (Borgoña),  Manuel Rubey (Once were rebels) entre otros que aportan mucho realimo a la cinta, consiguiendo que veas sus diferentes formas de pensar, de ver el mundo. La película mezcla todo esto con música y algunas licencias modernas que adoran toda la cinta.

La película compite en la sección Perlas del Festival de cine de San Sebastián.

“Parásitos” un antes y un después en el cine coreano

Publicado el por Akihabara en Reseña de cine

Es la película coreana que parece que no pasa de moda y que hizo historia en los Óscar 2020 al llevarse varios premios: Mejor película, Mejor película internacional, Mejor dirección y Mejor guión original. Estrenada el 21 de mayo, fue la primera película coreana en ganar La Palma de Oro en el Festival de Cannes en el año 2019. La película recaudó hasta 128 millones de dólares en todo el mundo, y se convirtió en el mejor estreno, recibiendo muchas críticas positivas y elogios, y considerándose por muchos, la mejor película del año.

Parásitos (기생충)  es una película surcoreana dirigida por Bong Joon-Ho (Memories of Murder, Snowpiercer, The host…) y cuyo guión cuenta también con Kim Dae Hwan (The first lap) y Jin Won-Han (que también colaboró como asistente en dirección en Okja). Cuenta con una duración de 132 minutos y se encuentra dentro del género drama, comedia y toques de cine negro/suspense. Barunson, CJ Enterteiment, Frontier Work Comics como compañías productoras y CJ E&M Film Financing and Investmen Entertainments & Comics se encargan de la distribución.

Como dato curioso a destacar, esta película no contaba con distribuidora en España ya que no se apostaba mucho por ella, pero Ferran Herranz (cofundador de La Aventura) no dudó en seguir el proyecto de cerca en cuanto leyó el guion y en adquirir los derechos de la cinta en España. Gracias a ellos, muchos tenemos la suerte de contar físicamente con esta joya del cine coreano en nuestras estanterías.

Está calificada como “No recomendada para menores de 16 años” y desde el muy comienzo de la cinta nos deja claro que a pesar del tono cómico (muy típico usado en muchísimas películas coreanas), estamos frente a la historia de las miserias, desigualdades en la población y la pobreza de una familia coreana. Cuenta con un cast espectacular formado, principalmente, por: Song Kang-Ho (A taxi driver, The host o las muy esperadas próximamente en cines: Broker y Declaración de emergencia), Choi Woo-Shik (Train to Busan, Okja), Park Seo-Joon (Be with you, Desaparecidas), Park So-Dam (Record of youth), Lee Sun-Kyun (A hard day, Dr. Brain), Jung Ji-So (Imitation), Jang Hye-Jin (Green Mothers’ Club).

La sinopsis de este largometraje es el siguiente: Gi-Taek (Song Kang-Ho) y su familia (la familia Kim), trabajan de forma precaria y luchan para llegar a final de mes. Viven en un semisótano en un barrio pobre de Seúl. Cuando su primogénito, Gi-Woo (Choi Woo-Shik) comienza a trabajar dando clases particulares para la familia Park, a través de ingenio y ganando confianza, irá introduciendo al resto de familiares con distintos trabajos al servicio de la familia Park. Una situación tan peculiar como impredecible y con resultados imprevisibles.

Una de las características técnicas más sonadas y destacadas de Parásitos, es la angulación y el uso de líneas divisorias que, claramente, van separando la gente de clase alta/rica de la pobre. También denota cierta diferenciación en los personajes entre quiénes fingen ser y quiénes son en realidad. Lo que creo que la hace especialmente original.

La banda sonora original (BSO) viene de la mano del compositor Jung Jae-Il, quien compuso también la BSO de Okja.

La casa de los Park es el escenario en el que se desarrolla la historia mayoritariamente y fue diseñada y construida desde cero por Lee Ha-Jun. La casa, que deja claro el estatus social y económico de la familia en cuestión, tenía un diseño que servía de ayuda a la cámara para dar sensación de espionaje y permitía que sus personajes se desenvolvieran entre tantos escondrijos y recovecos.

Lee Ha-Jun adaptó las dimensiones de la vivienda al 2.35:1 al que estaba rodada Parásitos. Eso lo podemos observar en sus habitaciones y compartimentos anchos y altos en pantalla. La luz y fotografía fueron elementos esenciales para la cinta, ya que a mayor pobreza menor accesibilidad a luz natural y, al contrario, la familia rica disponía de grandes ventanales y puertas de cristal por donde entraba mucha luz solar. La disposición de objetos, los colores y textura fueron otro apartado muy cuidado. Mientras que en la casa de los Kim, los colores son apagados, con sensación de suciedad y caos en cuanto a disposición y objetos; la casa de los Park se caracteriza por el espacio abierto, despejado y orden, además de colores claros y luminosos. Como curiosidad, Bong Joon-Ho quiso que la cinta fuera en blanco y negro, pero la fotografía era tan bonita que dejaron finalmente la versión a color. Sin embargo, existe una versión igualmente en blanco y negro.

Muchos de los detalles que pasaron de largo para la historia principal, daban mucha información acerca de la cultura surcoreana. Entre ellos voy a destacar:

  • La canción que Jessica o Ki-Jung canta antes de entrar en la casa de los Park proviene de una canción coreana muy famosa llamada “Dokdo is our land” (Dokdo es nuestra tierra). Es una especie de himno sobre las disputas entre Japón y Corea por el territorio de Dokdo.
  • El abuso del inglés, llamado miguk byeong” o la fiebre americana, era símbolo o sinónimo de poder y estatus social alto.
  • La importancia de los estudios superiores universitarios en Corea. Aunque muchas personas se guían por el “boca a boca” y las recomendaciones (incluso a veces más que por los títulos), y esto se ve claramente en la película.
  • El plato que mezcla el jjapagetti y el neoguri es el Jjapaguri, que es la comida que le pide Park Yeon-Kyo a Kim Choong-Sook que le prepare. Tiene la connotación de ser un plato popular entre población de ricos y pobres y de ser bastante asequible/barato. PERO la familia Park le añade carne, un solomillo carísimo.
  • Los hijos primogénitos son importantes en la cultura coreana (al menos, durante mucho tiempo ha sido así, ya que ahora los tiempos han cambiado). En la película, Park Da-Song se lleva prácticamente toda la atención de sus padres, mientras que su hermana queda en un segundo plano.
  • La roca que Min le regala a Ki-Woo se denomina “suseok” (piedra de agua) y su precio tan desorbitado hace que se relacione con gente de poder y adinerada. Esta en particular tiene forma de montaña.
Ejemplo de jjapagetti

Entre todos estos detalles, encontramos mucha información (y toda la que posiblemente se nos escape) acerca de Corea del Sur y su cultura.

Desde mi punto de vista, es una película interesantísima, llena de información enriquecedora, con una fotografía y forma de rodar muy calculada y cuidada. Creo sin duda, que es una de las mejores películas coreanas que he visto por el momento, y que siempre está en mi top 5. Las actuaciones están soberbias, y a nivel técnico me parece una delicia. Puede que haya discordancia en opiniones (al fin y al cabo es cuestión de gustos), pero creo que es una de esas películas a la que debes darle al menos un visionado en la vida.