Categoría: Reseña de cine

Este viernes 25 de Noviembre se estrena en cines “Ramona”, ópera prima de la talentosa directora Andrea Bagney.

Dividida en 6 capítulos y con una duración de 80 minutos, la cinta nos cuenta la historia de Ramona (Lourdes Fernández), una joven aspirante a actriz que ha vuelto a vivir a Madrid con su novio, Nico (Francesco Carril). Aunque tenga muchos proyectos de futuro, no está encontrando su oportunidad en la ciudad y para colmo vive en un bloque donde se vende droga y hay mal ambiente. Ramona conocerá a Bruno (Bruno Lastra), un director de cine que está en proceso de buscar a su actriz protagonista y, que hará que su vida se vea replanteada a varios niveles.

Rodada en formato 1.66, esta dramática/cómica/romántica cinta está producida por Filmin y cuenta con la compañía Tortilla Films. Fotografía de Pol Orpinell, este film es el debut en largometraje de su directora y guionista Andrea Bagney. Filmada en un bonito y elegante blanco y negro que recuerda a un tono antiguo y nostálgico. La cámara pasea por las calles de la capital, a veces estática, a veces acompañando a los personajes en sus aventuras y desventuras, pero siempre haciendo hincapié en una sutil belleza en sus planos. Tanto cuando hablamos de fotografía y personajes como cuando se trata de esos pequeños detalles que pasan desapercibidos pero que también demuestran que en todo, hasta en el último rincón, hay vida.

A pesar del drama en su historia, han sabido perfectamente darle un toque de humor, y que en sus diálogos haya esa chispa que recuerda a una reconfortante tarde de café con un amigo. Todo lo que se muestra es muy natural, muy cotidiano, incluso me aventuraría a decir monótono. Se hace buena crítica sobre el estar presente en el día a día, las charlas y los momentos que hay que atesorar para siempre. La BSO me ha parecido todo un acierto; en los momentos más intimistas y pensativos de la protagonista, destacan piezas ya conocidas de música clásica (a mí personalmente me llevó a Fantasía de 1940); por otro lado, te hará bailar en el asiento al son de “Que nos quiten lo bailado” de Betacam. Pero otra cosa curiosa que me gustaría destacar es el ruido, ese sonido de fondo que aparece y desaparece cuando debe y que, al final, no pasa nada desapercibido.

Tiene alguna referencia a Woody Allen y a su particular Annie Hall, pero creo que es un cine independiente con personalidad. Como ya he mencionado antes, la cinta es en blanco y en negro, pero existe color cuando a Ramona la vemos a través de la cámara de Bruno, algo que me parece sumamente bonito, metafórico y bien usado. Es como si cobrara vida a los ojos de otra persona. La película no solo habla de las metas de la protagonista y su afán por empezar de cero, sino también de la añoranza y de ese sentimiento de hogar al que siempre aspiramos llegar, de que existen trenes y oportunidades que solo pasan una vez en la vida y que tenemos la opción de apostar por ello o de quedarnos en tierra.

En definitiva, creo que es un muy buen debut tanto de su directora como de su protagonista. Es una cinta sencilla, minimalista pero con unos personajes carismáticos con los que podemos vernos reflejados en su cotidianidad y pureza, con sus más y sus menos. Así que os recomiendo que a partir de este viernes 25 de Noviembre, vayáis a conocer esta historia en la gran pantalla.

“Mira, que no es por ti. ¡Que es por mí!”

Estrenada el pasado 11 de noviembre, ya podéis disfrutar de esta nueva producción española inspirada en un crimen real. Dirección de la mano de Rodrigo Sorogoyen y guión de Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen. La BSO de Olivier Arson, efectiva en todo momento y una dirección de foto por Alejandro de Pablo.

Con sus 137 minutos de duración, Rodrigo Sorogoyen se toma su tiempo en ir cociendo a fuego lento una atmósfera tensa, difícil de digerir e incluso terrorífica. Puede que estemos frente a una de esas películas donde el espectador vivirá el terror a la luz del día, en medio de paisajes frondosos y verdes y en una zona tranquila y rural de Galicia. Ya de por sí, que se genere esa emoción de thriller/terror a la luz es difícil de conseguir, pero Sorogoyen lo consigue con creces. Con unas interpretaciones muy destacables por parte de todos y cada uno de sus actores/actrices, en especial mención a Luis Zahera y Denis Ménochet. 

Argumento: 

“Antoine y Olga son una pareja francesa que se instaló hace tiempo en una aldea del interior de Galicia. Allí llevan una vida tranquila, aunque su convivencia con los lugareños no es tan idílica como desearían. Un conflicto con sus vecinos, los hermanos Anta, hará que la tensión crezca en la aldea hasta alcanzar un punto de no retorno.”

Antoine (interpretado por Denis Ménochet), se muda a este pueblo de Galicia con la intención de retirarse, dedicarse a la tierra y sus cultivos y a reparar viejos caseríos de la zona para repoblarla. “Franchute”, que es así conocido por el pueblo, está poco dispuesto a vender sus tierras para la instalación de molinos eólicos. Cosa que Xan (Luis Zahera), no acepta ni lleva especialmente bien ya que supone una pérdida de dinero por parte de las empresas. Al llevar toda su vida en el mismo pueblo, se siente con más derecho de decisión que su vecino el “franchute”, que solo lleva un par de años allí. Antoine y su mujer Olga se ven amenazados ante la ira, racismo y agresividad de los hermanos Xan y Lorenzo. Todo esto con el fin de que el matrimonio francés se mude del pueblo, pero al no conseguirlo, las cosas comienzan a torcerse y torcerse.

En esta película se distinguen perfectamente dos partes: una primera donde una forma de narrar muy thriller-psicológico que nos recuerda, por ejemplo, a “Perros de paja”, y a ratos recuerda un estilo western de Sam Peckinpah. Cámara estática con planos más fijos, donde todo el peso de la puesta en escena recae en los actores, que trabajan narrativamente a favor de la cámara. Muchas escenas donde sólo con las miradas va cociéndose toda la tensión entre los personajes. Luego tenemos una segunda parte más dramática e intimista, donde nos centramos más en la historia de su mujer Olga (Marina Foïs) y la hija del matrimonio francés, Marie, interpretada por Marie Colomb. En esta segunda parte, la cámara se mueve y acompaña a los personajes en su travesía. 

Es, en mi opinión, una película totalmente atmosférica, que te atrapa y te da buenos golpes mientras estás sentado casi sin poder reaccionar a lo que tus ojos ven. Que sea una cinta basada en hechos reales no hace que te sientas mejor, evidentemente. Tiene unos cuantos momentos bastante tensos en ese bar, entre unas copas, entre partidas al dominó… momentos lentos que generan adrenalina. Una película que creo que debería verse al menos una vez y disfrutarse (¡y mucho!). Yo estoy reflexionándola y reposándola mucho y creo que volveré a verla. Esta crítica ha sido mi mejor ejercicio de reconciliación con ella. Buenísima opción para ver este fin de semana si no la has visto. Creo que podría ser de la favoritas en los Goyas. Una grata sorpresa.

Que a Netflix le gusta sorprendernos no es nada nuevo; la cuestión es si consigue el efecto deseado o no. Últimamente, la plataforma está sacando nuevas películas y series, unas con más éxito que otras, y hace solo unas semanas pudimos disfrutar del estreno de una de ellas: La Escuela del Bien y del Mal, un filme de dos horas y media basado en el primero de los libros que conforman la saga.

La película narra las aventuras de Sophie y Agatha, dos amigas muy diferentes la una de la otra. Mientras a Sophie le encantan los libros de fantasía, Agatha prefiere los de terror. Mientras que Sophie es rubia y una buena chica, a Agatha la tachan de bruja por su pelo oscuro encrespado y su siniestro aspecto. Se conocieron tras la muerte de la madre de Sophie y, desde entonces, han sido inseparables. Pero todo cambia cuando descubren la existencia de la Escuela del Bien y del Mal, un lugar donde se entrena a los héroes y los villanos protagonistas de nuestros cuentos y le dan forma a nuestra realidad. Sophie arde en deseos de ir y convertirse en princesa, pero a Agatha no le gusta un pelo el asunto…

La historia cuenta con varios aspectos predecibles, pero consigue sorprendernos con algunos giros poco esperados, como la elección final de Agatha respecto al hijo del rey Arturo. Lo que más me ha gustado ha sido cómo la chica a la que consideraban una bruja en su aldea se convierte en el único eslabón que lo mantiene todo unido. Su carácter firme la hace perfecta para el papel que ejerce. Por su parte, Sophie rompe la jaula en la que siempre se ha visto prisionera y descubre una parte de sí misma que desconocía. Eso sí, la lección está bien clara: no todos somos buenos o malos, únicamente; existe una gama de grises que nos hace humanos.

En cuanto a los efectos especiales, no podemos esperar mucho de una película de fantasía producida por Netflix. Sí es cierto que los conjuros mágicos parecen realistas, no así otros momentos de la película. La banda sonora no resulta llamativa, salvo por el uso de extractos de algunas canciones conocidas, como Toxic, de Britney Spears, o la banda sonora de La Bella Durmiente.

En general, no es una película que hubiese tenido una buena acogida en los cines. Su estreno en la plataforma ha sido la mejor opción para ella. Sí le reconozco a Netflix su apuesta por la fantasía, en especial por la fantasía juvenil. Eso acerca este género a un público que suele ser escéptico, así como a los más pequeños, que encontrarán en La Escuela del Bien y el Mal la película perfecta para una tarde de mantita y palomitas. Se trata de un filme entretenido, divertido y ligero.

La nota que le doy es un 6,5/10. Quedo a la espera de que salga la segunda película y de que mejoren los efectos visuales.

Partiendo de la base de que los derechos de El Silmarillion no pertenecen a ninguna productora, creo que podemos afirmar que Los Anillos de Poder ha sido un poco más de lo que los escépticos creían y un poco menos de lo que los fans del mundo de Tolkien esperaban.

Nos situamos en la Segundad Edad, varios miles de años antes de las historias de El Hobbit y El Señor de los Anillos, cuando los elfos ya hacía tiempo que habían viajado a la Tierra Media y se habían asentado allí, conviviendo con otras especies como los hombres, los enanos —con quienes tienen roces y diferencias— y los pelosos —precursores de los hobbits—. A lo largo de la serie, viajamos desde las Tierras del Sur hasta Valinor y Númenor. Podemos disfrutar de unos efectos especiales increíbles y de una banda sonora acorde a la serie. Por fin le ponemos cara a los antepasados de Aragorn —Elendil e Isildur—, y conocemos a una Galadriel y un Elrond mucho más jóvenes e inexpertos, y que llevan gran parte del peso de la trama.

Y aquí, creo yo, es donde comienza la polémica.

Mucho se ha criticado el hecho de que se nos presente a la Dama Blanca como una comandante terca y poco dada a la precaución. Tampoco vemos nada de ese poder que sabemos que tiene, y la conjunción de todos esos detalles hace que nos sintamos un tanto decepcionados. Con todo, la interpretación de Morfydd Clarck, la actriz que le da vida, es bastante buena. Ha estudiado los gestos de Cate Blanchett en su andadura como Galadriel, lo cual nos acerca un poco más a la Dama Blanca que conocemos.

Por otra parte, el actor que encarga al joven Elrond, Robert Aramayo, también ha seguido de cerca los pasos que dio Hugo Weaving hace ya tantos años. No obstante, creo que nos ha faltado su don de la premonición así como su sabiduría. Debemos destacar de él la relación de amistad con Durin IV, una relación inexistente en la historia original pero que ha calado profundamente en quienes han visto la serie y que el fandom ha catalogado como de lo mejor de Los Anillos de Poder.

Sin embargo, el mayor foco de atención, en mi opinión, se lo han llevado la pelosa Nori, el misterioso personaje que cae del cielo —no voy a desvelar quién es, porque han sabido guardar muy bien el secreto hasta el final— y Halrand.

A través de Nori, hemos conocido la bondad, la inocencia y el afán de vivir nuevas experiencias. Es un personaje con el que todos nos podemos sentir identificados: alguien que rompe con las normas establecidas, que prefiere mirar más allá del horizonte e, incluso, ayudar a un desconocido que cae del cielo como una bola de fuego y que ni siquiera sabe hablar.

Respecto a Halrand, me parece que es de los personajes mejor construidos de la serie. Dejando a un lado que sea o no “real”, le añade mucha profundidad a la historia y juega al despiste a la perfección, hasta el punto de que la reina regente de Númenor ni siquiera puede predecir sus pasos.

Para no alargarme más, quisiera destacar la calidad de los efectos visuales, lo estudiadas que están Eregion y Númenor, cómo se ha mantenido la estética de los orcos que ya nos presentaron en El Señor de los Anillos y la forma en que la oscuridad se va haciendo un hueco en la Tierra Media. El final, con la visión de los tres anillos de los elfos, es justo lo que necesitábamos desde el principio: ver con nuestros propios ojos aquello que le da nombre a la serie.

En definitiva, le doy una puntuación de 7’5/10 y quedo a la espera de que la segunda temporada nos traiga algo mucho más fiel a El Silmarillion. Según diversas fuentes, las expectativas de los fans se verán más que cumplidas. Esperemos que sea así.